Cultura

El Museo del Prado cumple 200 años

Directores de instituciones culturales se suman al Bicentenario del Prado

 

  


  

 

El Museo Nacional del Prado quiere hacer extensiva la celebración de su Bicentenario a toda España y por ello, el público de todas las comunidades autónomas podrá disfrutar de alguna de las obras maestras que el Prado atesora en su colección.

Los directores de las instituciones, que acogerán estas obras en sus sedes durante un período aproximado de un mes, han estado presentes hoy en el Museo del Prado para compartir este gran proyecto.

Glenn David Lowry, director del MoMA, Gabriele Finaldi, director de The National Gallery de Londres, y Tacco Dibbits, director del Rijksmuseum de Ámsterdam se unen a esta celebración felicitando al Museo por sus 200 años de historia.

El Museo del Prado ha recibido en su sede a los directores de las instituciones españolas que recibirán en préstamo una de las obras maestras que atesora en su colección y la felicitación de los directores de los museos más importantes del mundo.

“De gira por España”

Desde el próximo 26 de noviembre hasta la clausura de la celebración de sus 200 años de historia en noviembre de 2019, el Museo del Prado enfatizará su condición de “nacional” cediendo en préstamo 12 obras de especial relevancia a distintas instituciones de toda la geografía española. Todas las comunidades autónomas, excepto Madrid, y las ciudades autónomas de Ceuta y Melilla recibirán uno de los lienzos seleccionados -obras maestras de Tiziano, el Greco, Velázquez, Zurbarán, Murillo o Goya, entre otros- durante un período aproximado de un mes.

Así, entre otros, la Fundación Gala-Salvador Dalí en Figueras recibirá, el próximo lunes, La Virgen de la Rosa de Rafael para establecer un enriquecido diálogo con la Ascensión de Santa Cecilia de Dalí que pondrá de manifiesto la admiración que el maestro figuerense profesó por el maestro italiano; el Museo Casa Natal de Jovellanos en Gijón acogerá uno de los retratos que Goya le hizo; San Francisco en Oración de Zurbarán se expondrá el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca junto a un San Francisco en oración de Gustavo Torner de su propia colección; o la Comunidad Valenciana que exhibirá en el Museo del Bellas Artes de Castellón, Chicos en la playa de Sorolla.

Calendario
Fundación Gala-Salvador Dalí
Figueras: 26 nov 2018 /06 enero 2019
La Virgen de la rosa, Rafael
Museo de Bellas Artes de Badajoz
Badajoz: 13 de diciembre 2018/ 13 de enero 2019
San Francisco en oración, Zurbarán
Museo de Arte Abstracto Español
Cuenca: 22 enero / 17 febrero 2019
San Francisco en oración, Zurbarán
Museo de Bellas Artes de Castellón
Castellón: 29 de enero / 24 febrero 2019
Chicos en la playa, Sorolla
Museo de la Rioja
Logroño: 27 febrero / 24 marzo 2019
San Francisco en oración, Zurbarán
Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira
Santillana del Mar: 04 / 31 marzo 2019
La caza de Meleagro, Poussin
Museo de Pontevedra
Pontevedra: 18 de marzo / 21 de abril 2019
Retrato de médico, El Greco
Museo de Almería
Almería: abril / mayo 2019
El bufón Calabacillas, Velázquez
Museo de Arqueología e Historia Las Peñuelas
Melilla: 29 abril/ 26 de mayo 2019
Retrato de médico, El Greco
Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM)
Las Palmas de Gran Canaria: 03 / 30 junio 2019
Ciego tocando la zanfonía, La Tour
Museo de Bellas Artes de Álava
Vitoria: junio/julio 2019
La Inmaculada del Escorial, Murillo
Museo de León
León: junio / julio 2019
Ceres y dos ninfas, Rubens
Museo de Menorca
Mahón: julio/agosto 2019
Ciego tocando la zanfonía, La Tour
Museo de Ceuta Murallas Reales
Ceuta: septiembre/octubre 2019
El actor Isidoro Máiquez, Goya
Museo de Navarra
Pamplona: septiembre/ octubre 2019
Venus recreándose en el amor y la música, Tiziano
Museo de Bellas Artes de Murcia
Murcia: octubre/noviembre
El actor Isidoro Máiquez, Goya
Museo de Teruel
Teruel: octubre/noviembre 2019
Venus recreándose en el amor y la música, Tiziano
Museo Casa Natal de Jovellanos
Gijón: noviembre/diciembre 2019
Gaspar Melchor de Jovellanos, Goya

Felicitación de grandes museos internacionales

Los responsables de los principales museos del mundo admiran su extraordinaria colección y sus importantes contribuciones a muchas generaciones de amantes del
arte. Destacan su “magnífica transformación” en los últimos 20 años y aseguran que los próximos 200 años “serán igual de importantes” que los ya pasados.

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José Guirao: Fernando del Paso era un escritor “comprometido con la vida, la libertad y la esperanza”

  

  

 

El ministro de Cultura y Deporte, José Guirao, ha lamentado la pérdida de Fernando del Paso, distinguido con el Premio Cervantes en 2015.

José Guirao ha indicado que es una “triste noticia conocer la muerte de uno de los más grandes escritores en español, de alguien comprometido con la vida, con la libertad y con la esperanza, como nos trasladaba a través de sus libros”.

Era un hombre ajeno al encasillamiento en su obra, cuya curiosidad le llevó a aventurarse en géneros como la novela, el cuento, el ensayo, la literatura infantil, la poesía, el teatro, el periodismo e incluso en otras disciplinas, como la pintura o la historia. De su buen hacer con la escritura, dejó obras maestras de la literatura como José Trigo (1966), la primera de sus novelas, a la que seguirían Palinuro de México en 1977, y Noticias del imperio en 1987.

“Quiero transmitir mis condolencias a su familia y amigos, pero también al mundo de las letras. Del Paso, elegante hasta el final, se ha ido justo el día previo a que se conozca el ganador del Premio Cervantes de este año. Estoy convencido de que en la reunión del jurado de mañana, Fernando del Paso estará muy presente”, ha dicho el Ministro.

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Beckmann. Figuras del exilio.

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Beckmann. Figuras del exilio. Foto: Luis Domingo. Beckmann. Figuras del exilio. Foto: Luis Domingo.

 
Javier López Iglesias / Luis Domingo / Raúl Pérez LP

FECHA:

Del 25 de octubre de 2018 al 27 de enero de 2019

ARTISTA:

Max Beckmann

COMISARIO:

Tomàs Llorens

Más información

Aunque próximo en sus primeras etapas al expresionismo y a la Nueva objetividad, Max Beckmann (Leipzig, 1884 – Nueva York, 1950) desarrolló una pintura personal e independiente, de signo realista pero llena de resonancias simbólicas, que se alzaba como un testimonio vigoroso de la sociedad de su tiempo. Ahora, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza le dedica la muestra Beckmann. Figuras del exilio.

Comisariada por Tomàs Llorens, la exposición reúne un total de 52 obras –principalmente pinturas, algunas esculturas y litografías– procedentes de museos y colecciones de todo el mundo, entre las que están algunas de sus piezas más destacadas, como La barca (1926), Sociedad, París (1931), Autorretrato con corneta (1938), Ciudad. Noche en la ciudad (1950) o Los argonautas (1949-50), el tríptico que dio por terminado el mismo día en el que falleció prematuramente en Nueva York.


Como recuerda Llorens, “la pintura de la primera etapa de Beckmann es ecléctica. Además de a Max Liebermann o Lovis Corinth recuerda a otros artistas alemanes de la generación anterior. Pero la influencia más importante y duradera fue sin duda la de Cézanne; su preocupación por aunar la representación de los volúmenes con la superficie bidimensional del lienzo se convertiría en una de sus principales obsesiones durante toda su carrera”.

Sin etiquetas

Beckmann creía que no podía haber una pintura nueva basada en principios doctrinales nuevos; lo único nuevo en arte son las nuevas personalidades de los artistas. El interés por enlazar con la gran tradición de la pintura se convirtió en objetivo principal de su trabajo durante esta primera etapa, lo que le llevó a enfrentarse con el vanguardismo de los expresionistas de su generación. Como señala Llorens, “el profundo rechazo al carácter colectivo, sectario y doctrinal de estos movimientos permaneció como sustrato de sus posiciones individualistas frente a todas las corrientes artísticas colectivas con las que se encontraría hasta el final de su vida”.

“Creo que amo tanto la pintura justamente porque me obliga a ser objetivo. No hay nada que odie tanto como el sentimentalismo”, escribió el artista en 1918 en un texto en el que explica sus principios creativos. Rechazo del sentimentalismo, objetividad, concentración en la plasticidad del cuadro… Beckmann fue el primer artista que formuló esos principios básicos sobre los que se funda una de las corrientes dominantes en la poética de la posguerra, aunque cuando ésta acabó convirtiéndose en una tendencia de moda bajo el nombre de Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad) y él mismo fuera reconocido por muchos como su principal representante, él continuó, hasta su último aliento, rechazando cualquier etiqueta.

Dos secciones

La exposición está estructurada en dos secciones. La primera, de menor tamaño, está dedicada a la etapa vivida en Alemania desde los años anteriores a la Primera Guerra Mundial, cuando comienza a ser reconocido públicamente, hasta el ascenso del nazismo en 1933, cuando es destituido de su cargo en la escuela de arte de Fráncfort y se le impide exponer sus obras en público.

Para Llorens, la presentación, la representatividad e importancia en el conjunto de la producción del artista ha sido el principal criterio de selección de las obras reunidas en esta sección. En la segunda, más extensa y que recorre los años en Ámsterdam (1937-1947) y Estados Unidos (1947-1950), donde vivió tras verse obligado a abandonar Alemania, la elección de las piezas se ha realizado según un criterio temático: el exilio, tanto en sentido literal, por la propia experiencia vital de Beckmann, como figurado, por el significado que tuvo para él como condición básica de la existencia humana en general y del hombre moderno en particular. Por este motivo, los cuadros alegóricos –a los que dedicó mayor esfuerzo y tiempo de trabajo (todos los trípticos y lienzos de gran formato que pintó son composiciones alegóricas)– son los más abundantes en esta selección.

Los retratos, paisajes y naturalezas muertas, géneros tradicionales que practicó a lo largo de toda su carrera, han sido elegidos también por sus resonancias alegóricas. Esta parte del recorrido se estructura en torno a cuatro metáforas relacionadas con el exilio: Máscaras, centrada en la pérdida de identidad que se asocia con la circunstancia del exiliado; Babilonia eléctrica, sobre el vértigo de la ciudad moderna como capital del exilio; El largo adiós, que plantea la equivalencia entre exilio y muerte, y El mar, metáfora del infinito, su seducción y su extrañamiento.

Tras su presentación en el Thyssen, donde cuenta con el patrocinio de la Comunidad de Madrid, la exposición podrá verse también en Barcelona, en las salas de CaixaForum, del 21 de febrero al 26 de mayo de 2019.

Una exposiciòn digna de los tiempos difíciles que vivimos en Europa y otras partes del mundo, pero imprescindible para tomar conciencia del tiempo actual.

Son pinturas con fuerza y dureza, ante el reto de ser un perseguido en su propia tierra o en el exilio forzado.

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Alberto Giacometti, más de doscientas obras en el Guggenheim Bilbao

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Alberto Giacometti. Retrospectiva, una exhaustiva exposición de más de 200 esculturas, pinturas y dibujos de Alberto Giacometti (1901-1966), uno de los artistas más influyentes del siglo XX, con una trayectoria de 40 años de producción artística. Organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Fundación Giacometti de París y patrocinada por Iberdrola, la muestra ofrece una perspectiva singular de la obra del artista otorgando especial relieve a la extraordinaria colección de arte y material de archivo que conserva la Fundación Giacometti de París y que fue reunida por la viuda del artista, Annette.

Alberto Giacometti nace en Suiza en 1901, en el seno de una familia de artistas. Es su padre, el conocido pintor neoimpresionista Giovanni Giacometti, del que se exponen tres cabezas realizadas por el joven Alberto, quien lo inicia en la pintura y la escultura. En 1922 se traslada a París para profundizar en su formación artística. Cuatro años más tarde, se instala en el que fue su taller hasta el final de sus días, un espacio alquilado de apenas 23 metros cuadrados en la calle Hippolyte-Maindron, cerca de Montparnasse. En esa estrecha y minúscula habitación Giacometti crea una visión muy personal del mundo que le rodea.

La figura humana es un tema central en la obra de Giacometti. A lo largo de los años, crea obras inspiradas en las personas de su entorno, fundamentalmente en su hermano Diego, su esposa Annette, amantes y amigos. “Desde siempre, la escultura, la pintura y el dibujo han sido para mí medios para comprender mi propia visión del mundo exterior y, sobre todo, del rostro y del conjunto del ser humano. O, dicho de una forma más sencilla, de mis semejantes y, sobre todo, de aquellos que, por un motivo u otro, están más cerca de mí.”

Las ideas de Giacometti sobre cómo abordar la figura humana se han convertido en cuestiones fundamentales en el arte contemporáneo para las siguientes generaciones de artistas.

AnnetteLa exposición Alberto Giacometti. Retrospectiva subraya el interés del artista por los materiales moldeables como el yeso o la arcilla. Mientras que muchos creadores se limitan a utilizar el yeso como material intermedio de trabajo en la producción de una obra -después de modelar el objeto en arcilla y antes de realizarlo en bronce-, Giacometti emplea a menudo este material tanto para la forma inicial como para la forma definitiva del objeto en cuestión. Buena muestra de ello es el excepcional conjunto de ocho esculturas en yeso Mujeres de Venecia que se presentará en el Museo Guggenheim Bilbao por segunda vez desde su creación para la Bienal de Venecia de 1956, y que se exhibió en la Tate Modern de Londres en 2017 tras su restauración por la Fundación Giacometti de París.

Datos de interés:
Alberto Giacometti. Retrospectiva
Museo Guggenheim Bilbao
Fechas: del 19 de octubre de 2018 al 24 de febrero de 2019

Comisarias: Catherine Grenier, Fundación Giacometti de París y Petra Joos, Museo Guggenheim Bilbao. Comisaria adjunta: Mathilde Lecuyer-Maillé
Exposición organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en colaboración con la Fundación Giacometti, París
Patrocina: Iberdrola

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Mexicanos

OTRAS INQUISICIONES: Fernando Benítez

Por

Redacción

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https://almomento.mx/otras-inquisiciones-fernando-benitez/

Pablo Cabañas Díaz

Los más cercanos amigos y colaboradores de Fernando  Benítez (1912-2000) llamado con justa razón “el padre de los suplementos culturales” en México, participaron en el primer homenaje de los varios que tuvieron lugar en 2011. El homenaje se realizó en Bellas Artes el 18 de diciembre  2011 y entre otros, estuvieron José Emilio Pacheco, Vicente Rojo y Carlos Fuentes. El libro de Víctor Manuel Camposeco (2015), publicado en la Colección Periodismo Cultural de la Dirección General de Publicaciones del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, reúne al fundador y director del suplemento México en la Cultura, Fernando Benítez, con relevantes personajes como Alfonso Reyes, Octavio Paz, José Emilio Pacheco, Carlos Monsiváis y Emmanuel Carballo, que incursionaron en el periodismo en una época de auge.

 

Camposeco, retrata a Fernando Benítez, Carlos Fuentes y Carlos Monsiváis, como los intelectuales privilegiados del sistema priista. El texto titulado: “Gran periodista y privilegiado del régimen” menciona que su salida del diario Novedades  fue un mito que lo convirtió en víctima de la intolerancia ideológica. Según la versión  de aquel grupo, que la gente del medio cultural conocía como “La mafia”, Benítez fue despedido, o renunció al periódico, porque “no lo dejaron defender a la Revolución cubana”. Pero las versiones suelen tener ligeros matices. Carlos Fuentes en un texto publicado en  El País (24 /12/2011) titulado: “La larga vida del suplemento de Novedades”, la publicación  terminó cuando Benítez insistió en imprimir un largo reportaje sobre la recién nacida Revolución cubana. El periódico se lo reprochó y Benítez, junto con sus huestes […] renunció y buscó nuevo techo.

 

El nuevo espacio se  lo dio el gran jefe José Pagés Llergo en la fortaleza sitiada de la revista Siempre!”  La “fortaleza sitiada”recibió medio millón de pesos del presidente Adolfo López Mateos “suma significativa entonces”, dice Monsiváis (Siempre!, 21-II-1962, pp. 36-37). Vicente Rojo acompañó a Benítez a entrevistarse con el presidente López Mateos en diciembre de 1961, poco antes de Navidad, y fue testigo que el presidente le ofreció dinero a Benítez: “Déle usted el dinero que pensaba darme a mí. Déselo a él” (a Pagés Llergo), le dijo Benítez. Emmanuel Carballo recuerda que le dieron un millón de pesos a Benítez para iniciar La Cultura en México en la revista Siempre! No medio millón, como publicó Monsiváis. Como sea, la “fortaleza sitiada”, como dice Fuentes, no parece haber estado tan asediada. Cuando menos por el presidente.

 

Fernando Benítez, estuvo trece años a cargo de la dirección de México en la Cultura de Novedades, que  ha sido considerado el mejor suplemento de México. No  hubo como se insinúa un conflicto ideológico. Benítez,  recordó en noviembre de 1997 que a su salida de Novedades le dieron “una cuantiosa suma” . En enero de 1959, como bien lo reseña Víctor Manuel Camposeco, Benítez  y Fuentes fueron a La Habana a iniciar lo que Castro llamó “Operación Verdad”. Benítez no  divulgó nada sobre el tema. Carlos Fuentes, en enero de 1959 divulgó en su columna “Diálogo de sombras”, del suplemento México en la Cultura , la defensa de la Revolución cubana. En el suplemento número 587, del 12 de junio de 1960, Benítez lo organizó como un ensalzamiento de la Revolución cubana.  Fuentes rubricó en La Habana , el día 23, su columna publicada el domingo 25 de enero de 1959.

 

 

 

En la exaltación  sobre  Fernando Benítez, un hijo del siglo, publicado por La Jornada el 17 de enero de 2000, un mes antes de su muerte, Carlos Monsiváis compendia y remata con humor: “Nota de un no tan hipotético diccionario del siglo XXII: Benítez, Fernando. Nació en la ciudad de México en 1910 y desapareció en 2032 en un vuelo de reconocimiento de la expedición en busca del sitio donde se supone estuvo la selva Lacandona (cerca de donde estuvo Chiapas). Entre sus obras destacan Los indios de México (cinco tomos de Ediciones Era), un valioso documento literario y antropológico sobre las etnias hoy en buena parte radicadas en el estado de California. Dramaturgo gozosamente fallido (Cristóbal Colón), novelista a reconsiderar (El rey viejo, El agua envenenada), historiador (La ruta de Hernán Cortés, Los demonios en el convento, La ciudad de México), embajador de México en la República Dominicana , fue también periodista y promotor cultural de primer orden.

 

En un texto de 1992 publicado por La Jornada y reproducido en el citado perfil de 2000, Carlos Fuentes destaca acerca de la visión política de Benítez: Las batallas libradas por Fernando fueron incontables, por toda nación latinoamericana injustamente agredida, por la libertad de España y contra Franco. Los suplementos culturales dirigidos por Fernando fueron generoso asilo de la emigración española y, más tarde, de la sudamericana. Una foto sumamente dinámica muestra a Benítez enfrentándose al entonces jefe de la policía metropolitana que quería impedirles a los republicanos españoles manifestarse contra la visita de Eisenhower a Madrid ante la embajada estadounidense en el Paseo de la Reforma.

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El sur de Picasso. Referencias andaluzas, en su museo de Málaga

El sur de Picasso. Referencias andaluzas es una exposición del Museo Picasso Málaga que, con el auspicio de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y patrocinada por la Fundación Unicaja, recorre la historia del arte español mostrando obras de Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros como Zurbarán, Velázquez, Murillo, Goya, María Blanchard y Juan Gris, entre otros, en una ambiciosa muestra que transita desde el arte íbero, pasando por la antigüedad clásica y desembocando en la modernidad de sus coetáneos.

La influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que sustentan esta aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad o los ritos.

“Para mí no hay ni pasado ni futuro en el arte. Si una obra de arte no puede vivir siempre en el presente no ha de ser considerada en absoluto. El arte de los griegos, de los egipcios, de los grandes pintores que vivieron en otras épocas no es un arte del pasado, tal vez está más vivo hoy de lo que lo estuvo nunca”.
Pablo Picasso en conversación con Marius de Zayas, 1923. En: Josep Palau i Fabre.
Picasso: de los ballets al drama, (1917-1926). Barcelona: Polígrafa, 1999, p. 487

El sur de Picasso. Referencias andaluzas brinda un recorrido sintético por la historia del arte español mostrando obras de Pablo Picasso junto a valiosas piezas arqueológicas y pinturas de grandes maestros de nuestro país, en una ambiciosa muestra que abarca desde el arte íbero, pasando por la antigüedad clásica, el barroco y finaliza cuando el artista malagueño se convierte en una figura guía para sus coetáneos protagonizando un episodio esencial en la modernidad artística española. Esta exposición está enmarcada en el proyecto internacional Picasso-Méditerranée, liderado por el Musée national Picasso-Paris, con el auspicio de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte y patrocinada por la Fundación Unicaja.

En El sur de Picasso. Referencias andaluzas se explora el tránsito intelectual que hace Picasso del sur al norte, sirviéndose del patrimonio simbólico de su tierra para regresar de algún modo al origen, queriendo centrar la atención en la profunda huella que la cultura mediterránea ibérica tuvo en su obra. Para ello ofrece el diálogo entre una selección de obras de sus diferentes periodos creativos con ejemplos escogidos del rico patrimonio histórico-artístico español, del que fue un gran conocedor.

El sur de Picasso. Referencias andaluzas tiene entre sus objetivos subrayar cómo el carácter visual de la obra de Picasso está marcado por rasgos y cualidades como la austeridad o el descreimiento afines a la memoria colectiva de este país, palpables en su patrimonio artístico y presentes en las expresiones afectivas de las gentes que durante muchos siglos han ido construyendo artísticamente una identidad cultural que en el caso específico de Andalucía es un claro crisol de tres culturas.

Los maestros y el maestro
Para el comisario general de esta exposición, José Lebrero Stals, Picasso es “adictivo, cíclico y fiel a una memoria iconográfica que hace suya integrándola en un acto reivindicativo de alteridad. Picasso convierte la historia del arte en una particular otra historia”, y sostiene que en esta exposición “se articula un juego de dobles correspondencias entre una selección ejemplar de obras hechas durante un arco de siete décadas por Picasso, mirando de un modo u otro a la historia de dos milenios y medio del patrimonio histórico español”.

Para ello, la exposición reúne un total de 204 piezas entre las que se muestran pinturas, esculturas, dibujos y obra gráfica de Pablo Picasso junto a un grupo relevante de vestigios arqueológicos de las culturas íbera y fenicia y de época greco-romana, así como pinturas, grabados y esculturas polícromas de reconocidos maestros de nuestra historia del arte: Juan Sánchez Cotán, Juan van der Hamen, Francisco de Zurbarán, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, Alonso Cano, Antonio de Pereda, Bartolomé E. Murillo, Pedro de Camprobín, Juan de Zurbarán, Pedro de Mena, Luis E. Meléndez y Francisco de Goya.

Al final de este recorrido histórico, la exposición invierte los roles y muestra a un Picasso con autoridad para, a su vez, influir en el nuevo arte español. La guitarra es el hilo conductor de las obras presentes de sus contemporáneos María Blanchard, Juan Gris, Moreno Villa, Manuel Ángeles Ortiz e Ismael González de la Serna, en las que ese instrumento musical es el motivo iconográfico. Precisamente la muestra se cierra con música, la de Manuel de Falla y Le tricorne, ballet ambientado en España que el compositor estrenó en Londres en 1919 con la colaboración de Pablo Picasso, quien diseñó la decoración y el vestuario, cuyos bocetos están también presentes en esta exposición.

Picasso y el sur

La contribución e influencia de Picasso en la historia del arte occidental del siglo xx es indiscutible. Todo comenzó en la marítima ciudad de Málaga, donde nació a finales del siglo xix, iniciando con precocidad una prolongada carrera artística de ocho décadas que asimismo finalizó junto al mar Mediterráneo en la costa azul francesa, con similar exuberancia creativa.

Varias son las premisas que esta exposición plantea para defender la idea de que Picasso nunca dejó de interesarse por los orígenes y tradiciones de la pintura, del mismo modo que su condición migrante lo mantuvo emocionalmente afianzado a su país, sin despojarse de la lealtad a su filiación cultural: Málaga, Andalucía y España forman parte de su ser meridional, no solo artístico. Así, la influencia del Mediterráneo, la mirada mágica, el retrato en la historia, lo clásico, la representación de la vida y la muerte en el Barroco, las dolorosas, los arquetipos y los rituales son algunos de los argumentos que permiten una aproximación a temas que forman parte de la iconografía del artista malagueño como son la tauromaquia, el bodegón, la vanitas, la maternidad, los ritos o su filiación pictórica con los maestros barrocos españoles, permitiendo desvelar diversos aspectos su notable identificación y novedosa interpretación del legado artístico español.

La llamada del sur también queda reflejada en los textos poéticos de Picasso, una escritura libre y espontánea en la que trabajó durante dos décadas a partir de 1935, con abundantes referencias a ese sur, y que también forman parte de la muestra mediante una cuidada selección que de una manera relevante dan fe de la identidad española de Pablo Picasso. Finalmente, destaca la oportunidad de poder escuchar la voz de Picasso en esta exposición, gracias a las grabaciones de dos entrevistas que un periodista español le realizó para Radio Paris en Vallauris con motivo de su 80 cumpleaños.

Para la realización de esta exposición se ha contado con la valiosa colaboración, entre otras instituciones, de: Musée national Picasso–Paris; Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte; Centre Pompidou; Fondation Beyeler; Kunstmuseum Basel; Musée des Beaux-Arts, Agen; Museu Picasso Barcelona; Museo Arqueológico Nacional; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía; Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Colección Masaveu; Fundación Fondo de Cultura de Sevilla (FOCUS); Fundación Juan March; Fundación Bancaja, Valencia; Museo national d’Art de Catalunya; Museo de Zaragoza; Museo Nacional Arqueológico de Tarragona; Museo de Santa Cruz, Toledo; Colección de arte ABANCA; Colección Abelló; Colección del Senado, Madrid; Museo de El Greco, Toledo; Asociación Colección Arte Contemporáneo – Museo Patio Herreriano, Valladolid; Fundación Picasso Museo Casa Natal Ayuntamiento de Málaga; Archivo Manuel de Falla; Fundación Rodríguez-Acosta; Catedral Metropolitana de Granada; Museo de la ciudad de Antequera; y, muy especialmente, con la red de museos andaluces de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía: Museo de Almería; Museo de Cádiz; Museo Arqueológico de Córdoba; Museo de Bellas Artes de Granada; Museo de Huelva; Museo de Jaén; Museo de Málaga; Museo Arqueológico de Sevilla y el Museo de Bellas Artes de Sevilla; así como la Colección de Artehispania y otras colecciones particulares. Esta exposición se enmarca en los actos de celebración del 15 Aniversario del Museo Picasso Málaga.

Publicación y actividades paralelas

Con motivo de esta exposición el Museo Picasso Málaga ha editado la publicación El sur de Picasso, con introducción de José Lebrero y reedición de textos de Robert Rosenblum, James Johnson Sweeney, Lisa Florman, Esteban Casado Alcalde, Francisco Calvo Serraller, William Rubin, Antonio Bonet Correa y André Breton, entre otros. Profusamente ilustrado, el catálogo se ha editado tanto en español como en inglés, y cuenta con casi 400 páginas.

Como es habitual, se organizarán varias jornadas especiales dedicadas a la exposición, la primera de las cuales, Un día en el sur de Picasso, se llevará a cabo el sábado 27 de octubre 2018, con actividades para niños, familias y adultos. Una segunda jornada dedicada al artista se celebrará el sábado 2 de febrero de 2019.

Esta nueva exposición en el Museo Picasso Málaga será el tema central de las visitas guiadas tituladas Charlas en el Museo, que tienen lugar todos los sábados a las 12.00 horas. Para participar, tan sólo es necesario inscribirse en la Taquilla, pues la visita es gratuita con la adquisición de la entrada. Los talleres de Navidad para niños y jóvenes de 4 a 15 años estarán también dedicados a la obra multidisciplinar del artista.

El calendario completo, tanto para la comunidad escolar como para el público en general, así como toda la información relacionada con esta exposición, puede consultarse en la web del Museo.

EL SUR DE PICASSO. REFERENCIAS ANDALUZAS
9 Oct. 2018 – 3 Feb. 2019

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SE ABRE LA CASA DE MEXICO EN ESPAÑA
Madrid, 2 de octubre de 2018
Con una exposición de pintura mexicana, se abriò hoy en Madrid, la Casa de México, institución que dirige la Fundación Casa de México en España, a cargo de la directora Ximena Caraza Campos.
Casa de México en España Pintura oct 2018
La Casa de México se abriò formalmente el dia de ayer 1 de octubre con los encargados de Asuntos Exteriores de México y España, Luis Videgaray y Josep Borrel, la alcaldesa de Madrid, Manuel Carmena, la embajadora mexicana Roberta Lajous, y el empresario mexicano de origen español, Valentín Díez Morodo.
Ubicada en el centro de Madrid, la Casa abrio sus puertas al público con una serie de eventos, el primero de ellos, con la Exposiciòn Tres siglos de pintura en México, de colecciones privadas y la conferencia de la comisaria de la muestra, Angélica Velázquez Guadarrama.
A lo largo del día se desarrollarán diversas actividades, varios talleres (baile de danzón), destilados mexicanos, cine, música y otras conferencias.
La institución está abierta para españoles, mexicanos y extranjeros que visiten la capital española.
El edificio fue cedido a México por el gobierno español, pero la actividad de la instituciòn corre a cargo de la Fundaciòn, que preside Díez Morodo. (rplp)
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María Rius Camps, galardonada con el Premio Nacional de Ilustración 2018

La ilustradora y dibujante catalana María Rius Camps ha sido galardonada con el Premio Nacional de Ilustración correspondiente a 2018. El jurado ha motivado la elección de Rius “por su extensísima trayectoria, por la atemporalidad de su obra, por el carácter sereno de su ilustración, siempre en diálogo con el texto y, finalmente, por su implicación con el colectivo de ilustradores”.

El Ministerio de Cultura y Deporte concede este premio con el objetivo de reconocer y distinguir el conjunto de la labor realizada por un ilustrador español en el ámbito del libro y de las letras españolas. La dotación económica de este galardón es de 20.000 euros.

Datos biográficos de la galardonada

María Rius Camps (Sant Pere de Riudebitlles, Barcelona, 1938). Se especializó en Dibujo y Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona y, posteriormente, estudió grafismo en la Kunstwerkschule de Münster (Alemania) y diseño en la Kunstgeberweschule de Berna (Suiza). Fundadora y presidenta de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña (APIC) y cofundadora del Consejo Catalán del Libro para Niños.

En su extensa carrera ha colaborado con diversas revistas infantiles, cabeceras de periódicos y editoriales, destacando como defensora de la difusión del libro infantil, realizando cursos, seminarios y conferencias por toda la geografía y diseñando juegos educativos y carteles.

Cuenta en su bibliografía con más de 370 títulos, algunos de los cuales han sido publicados en una veintena de países, entre ellos, Estados Unidos, Alemania, Japón e Israel, y sus ilustraciones han recorrido diversas exposiciones colectivas e individuales por todo el mundo.

Entre los galardones que ha merecido su trabajo están el Premio Lazarillo de Ilustración (1968), el Premio CCEI (1971 y 1974), el Premio de la Crítica Serra d’Or (1979 y 1981), el Premio de Ilustración de la Generalitat de Catalunya (1983) y el Premio Junceda de Honor en 2008.

Entiende la ilustración como un trabajo narrativo y dota a sus personajes de gran delicadeza e ingenuidad, herramientas que les permiten plasmar las vivencias, ideas y sueños de la artista.

El Jurado

Ha actuado como presidente del jurado el subdirector adjunto de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas, David García Rivas.Como vocales, han estado presentes: el premiado en 2016, Javier Rafael Sáez Castán y, también, a propuesta de la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña / Associació Professional d’Il·lustradors de Catalunya, Sonia Pulido Flores; por la Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia / Associació Professional d’Il·lustradors de València, Nuria Tamarit Castro; por Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid, Patricia Metola Bouzo; por la Asociación Gallega de Profesionales de la Ilustración / Asociación Galega de Profesionais de Ilustración, Marta Álvarez Miguéns; por la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi / Euskal Irudigileen Elkarte Profesionala, Elisabeth Pérez Fernández; por la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP), Violeta Fernández Lópiz; por la Organización Española para el Libro Infantil y Juvenil (OEPLI), Agurtzane Villate Ruiz de Gordejuela; por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Araceli Pereda Alonso; por el Centro de Estudios de Género de la UNED, Amparo Serrano de Haro Soriano y, designada por el ministro de Cultura y Deporte, Eva Vázquez Merino.

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El Museo del Prado lleva su Bicentenario a más de 30 ciudades 

Por

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Durante este centenario también se celebran el 150 aniversario de la nacionalización de las colecciones reales y el 80 aniversario de la recuperación de las obras que fueron evacuadas durante la Guerra Civil.

El programa de exposiciones temporales para 2019 incluye nombres como Velázquez y Rembrandt, Goya, Fra Angelico, y Sofonisba Anguisola y Lavinia Fontana, dos de las mujeres más notables de la historia del arte occidental.

Los programas “De Gira por España”, “El Prado en las calles” y “Hoy toca el Prado” acercarán el patrimonio artístico y los recursos educativos de la institución a todo el territorio español.

La música, el teatro, la danza, la ópera y la fotografía también estarán presentes en el Bicentenario.

Durante el inicio de las celebraciones habrá jornadas de puertas abiertas y diferentes espectáculos en el exterior.

El Prado potenciará las acciones dirigidas a colectivos en riesgo de exclusión social y con necesidades especiales, y se desarrollarán programas específicos dirigidos a escolares, docentes, familias, jóvenes y adultos.

Se habilitará en la web institucional un canal específico donde se recogerán todas las actividades extraordinarias y actos conmemorativos de esta efeméride que tendrá su desarrollo también en redes sociales.

Durante toda la celebración se irán incorporando y materializando nuevos proyectos destinados a compartir esta efeméride con toda la sociedad como la Puerta Digital, una herramienta informática por la que todo el público acceda al Prado.

El Real Museo de Pintura y Escultura, que pasó pronto a denominarse Museo Nacional de Pintura y Escultura y, posteriormente, Museo Nacional del Prado abrió sus puertas el 19 de noviembre de 1819 en el edificio proyectado por Juan de Villanueva para albergar un museo y academia de historia natural con 311 pinturas realizadas por autores españoles en un espacio expositivo que apenas superaba la décima parte de la capacidad del edificio. Desde entonces, el Museo del Prado ha experimentado notables cambios: reformas arquitectónicas en sus salas, ampliaciones, crecimiento del espacio expositivo, enriquecimiento de sus colecciones y cambios en la organización y en los criterios de exhibición.

Para el ministro de Cultura y Deporte, José Guirao, “el Bicentenario constituye una extraordinaria oportunidad para reflexionar sobre el pasado y el presente de la institución, así como para vislumbrar el museo que el Prado quiere ser”. Sobre los proyectos próximos del Museo, Guirao ha indicado que “la incorporación del Salón de Reinos da cumplimiento al viejo sueño del ‘campus’ del Prado, que encarna el Prado del futuro. La rehabilitación y adecuación museística del espacio, propuesta por los arquitectos Norman Foster y Carlos Rubio, pretende recuperar la traza del pasado de este edificio y ampliar y completar el relato museístico de la institución”.

“Más de 100 actividades de todo tipo y en un amplio abanico geográfico que me permiten decir que este es un Bicentenario abierto a todos los ciudadanos, a todas las artes y a todas las Comunidades, como no podría ser de otra manera tratándose de la primera institución cultural española.”, ha afirmado José Pedro Pérez-Llorca, Presidente del Real Patronato del Museo del Prado.

“La conmemoración de esta efeméride, que tiene como objetivo promover una reflexión sobre el pasado y presente de la institución, comenzará el 19 de noviembre con la gran exposición “Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria” que recorrerá la historia desde su fundación hasta llegar a ser uno de los grandes museos públicos del mundo”, apunta Miguel Falomir, Director del Museo del Prado.

La celebración del Bicentenario es un homenaje a esta historia que permitirá profundizar en el camino recorrido por la institución durante estos 200 años con actuaciones que visualicen los cambios acaecidos como las exposiciones conmemorativas “Museo del Prado 1819-2019. Un lugar de memoria”, dedicada a las obras ingresadas en el Museo desde su fundación fundamentalmente a través de las adquisiciones auspiciadas por organismos públicos y la generosidad de los donantes; “Prado 200” centrada en la creación del Real Museo de Pintura y Escultura y su evolución; y “Efímera”, una exposición virtual que trazará la historia de la representación gráfica del Museo; actuaciones editoriales específicas como la creación de una nueva colección de publicaciones que, bajo el lema del Bicentenario, se centrará en la historia de la institución o la publicación del cómic Historietas del Prado de Sento; creación de un nuevo fondo documental que incluya material gráfico, sonoro, bibliográfico y documental para conservar el relato histórico; y programas educativos que contribuirán a una mejor comprensión de su historia y transformación.

Además del conocimiento de su historia, con la celebración del Bicentenario el Museo del Prado hará partícipe a toda la sociedad a través de un programa de micro mecenazgo, de acercamiento a colectivos en riesgo de exclusión social y específicos para escolares, docentes, familias, jóvenes y adultos.

Esta efeméride también subrayará su condición de principal institución cultural española a través del programa El Museo del Prado en España, materializado en las exposiciones “De gira por España”, “El Prado en las calles” y “Hoy toca el Prado”.

El programa de exposiciones temporales para 2019 incluye nombres como Velázquez y Rembrandt, Goya, Fra Angelico, y Sofonisba Anguisola y Lavinia Fontana, dos de las mujeres más notables de la historia del arte occidental, y
exposiciones relacionadas con el objetivo de promover una reflexión sobre el pasado y el presente durante la celebración del Bicentenario como “12 fotógrafos en el Museo del Prado”, “Giacometti en el Prado”, “El Museo del Prado en el archivo de la Agencia EFE. 80 años en fotografías”, “Gabinete de descanso de Fernando VII” y “Adquisiciones con el legado de Dña. Carmen Sánchez García”.

Museo del Prado, 200 años. El Bicentenario en números
La conmemoración del Bicentenario del Museo del Prado cuenta con un presupuesto de 12 millones de euros (4.500.000 euros proceden de las aportaciones de los patrocinadores y 7.500.000 euros proceden del presupuesto anual ordinario del Museo Nacional del Prado)

Entre las 17 exposiciones temporales programadas habrá 4 itinerantes y 2 de ellas serán conmemorativas.

Las colecciones del Prado llegarán a más de 30 ciudades españolas.

De las 27 publicaciones que se editarán durante esta efeméride, 4 de ellas se inscribirán en una nueva colección centrada en la historia de la institución y una será un cómic.

Se celebrarán 10 encuentros de especialistas nacionales e internacionales y se impartirán 2 Cátedras.

Se organizarán diferentes programas educativos y culturales, talleres, visitas organizadas, 3 ciclos de cine, un centenar de conferencias y con El arte de educar más de 60.000 alumnos podrán vivir la celebración del Bicentenario a través de sus colecciones.

Las voces de más de 50 personas que han dedicado su día a día a la institución contando su experiencia y 100 registros fílmicos del cine, el No-Do y la televisión estarán accesibles en la web institucional.

Las artes escénicas estarán presentes en esta celebración a través de un concierto sinfónico, una gala teatral, una zarzuela de nueva creación y coreografías y performances.

Más de 700 horas de acceso gratuito a la colección.

Entidades colaboradoras con el Bicentenario

Comunidad de Madrid
Ayuntamiento de Madrid
Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM)
Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA)
Fundación Amigos del Museo del Prado
American Friends of the Prado Museum
Fundación AXA
Fundación BBVA
Telefónica
Obra Social “la Caixa”
Fundación Iberdrola España
Fundación Botín
Fundación Profesor Uría
El Corte Inglés
Fundación Banco Sabadell
ACCIONA
Samsung
RENFE
Real Casa de la Moneda. Fábrica Nacional de Moneda y Timbre
Correos
Loterías y Apuestas del Estado
ONCE

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EL ESTIO SEGOVIANO EN FUENTIDUEÑA
agosto 2018

LA III NOCHE DE FUEGO Y AGUA FUENTIDUEÑA 2018 HIZO SOÑAR A LOS VISITANTES

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Fuentidueña, sábado 4 de agosto de 2018. La III edición del Festival Noche de Fuego y Agua dejaba con la boca abierta a propios y extraños. Una vez más, los habitantes del precioso pueblo segoviano, con mención especial a la Asociación Amigos de Fuentidueña, daban todo para engalanar, decorar, alumbrar, organizar y , en definitiva, hacer sentir bien, a las miles de personas que se acercaron a presenciar el espectáculo. Aunque a decir verdad, no se trató de un espectáculo, sino de una serie de actividades distribuidas en  distintos puntos del pueblo. Música, teatro, circo…hacían las delicias de pequeños y mayores. Esta circunstancia, unida a la gran organización en el parking fueron las responsables de que , a pesar del gran número de visitantes, no hubiera sensación de agobio ni aglomeración en ningún momento. Dato básico para que todos pudieran disfrutar, de las actividades y de la luz de las velas que decoraban con gusto las calles, casas, plazas y el río Duratón.

La sensación general, del nuevo visitante y del que no falla ninguna edición, fue que en este 2018 el festival dio un salto de calidad muy grande. El conocimiento de los posibles ajustes respecto a años anteriores y el espíritu de superación fueron la clave del éxito de un evento que se nutre económicamente, tan solo, de las aportaciones de la Asociación Amigos de Fuentidueña, del Ayuntamiento y de lo que llega de algún particular. Ninguna de las personas que encendían, organizaban parking o ayudaban, percibe compensación alguna. Son los vecinos los que particularmente decoran sus casas y calles cercanas. Son los voluntarios los que ayudan en todo…verdaderamente encomiable.

Y es por ello que la Noche de Fuego y Agua en Fuentidueña se ha convertido en un auténtico reclamo turístico y en un símbolo de orgullo  para sus vecinos. Quieren dar a conocer su inigualable entorno, conjunto artístico y el encanto de su gastronomía y gentes.

Sin duda que lo están consiguiendo. Fue y será un evento verdaderamente maravilloso.

Larga vida a la Noche de  Agua y Fuego en Fuentidueña.

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Unesco: Medina Azahara, patrimonio mundial

Ana De Luis Otero

https://periodistas-es.com

02/07/2018

El conjunto arquitectónico Medina Azahara, situado en la provincia de Córdoba, ya es patrimonio mundial de la Unesco por conservar intacta en su ciudad los restos del período del siglo X cuando en el califato omeya de Córdoba fue proclamado el occidente islámico.

Tras la deliberación del comité, Medina Azahara se suma a su listado de bienes, la ciudad que fue testigo de los omeyas como civilización cultural y en donde se desarrollo la civilización islámica occidental que llegó a Europa y fundó Al-Andalus.

Córdoba es desde hoy, la única ciudad del mundo con cuatro declaraciones de protección por parte de la Unesco; la mezquita-catedral, el casco histórico y la fiesta de los Patios, elegida hace tan solo seis años.

La extensión de 112 hectáreas amuralladas la convierte sin duda en el mayor conjunto arquitectónico del país. La ciudad construída en el año 936 por la dinastía occidental omeya, sería la sede del Califato de Córdoba. Según cita la leyenda, fue un regalo de Abderramán III a su enamorada Azahara que nunca llegó a apreciarla aunque este se desviviera plantando almendros en flor. Aunque los arqueólogos reniegan de esta teoría amorosa, lo cierto es que para él era la ciudad que brillaba por sí misma.

La historia sí ha verificado que el califa realmente mostró al mundo su superioridad y la grandeza que duró poco dado que la guerra civil con los bereberes de Sulaimán al Mustain la destruyeron en 1010. El saqueo de Medina Azahara acabó en Granada, Sevilla e incluso en la misma ciudad de Córdoba y no fue hasta el siglo XIX cuando se identificaron las ruínas a pocos kilómetros de la ciudad.

El lugar de encuentro de occidente y oriente, ejemplo de convivencia, ha sido finalmente reconocida por la Unesco, añadía la vicepresidenta Carmen Calvo, cordobesa, que no ocultaba su alegría. España es ahora el tercer país del mundo y segundo de Europa con más lugares inscritos, un total de 46, por detrás de China e Italia.

El Instituto municipal de Córdoba ha reclamado que dado que ha sido valorado por la Unesco se potencien las excavaciones en el lugar para ver qué hay detrás del yacimiento que aún sigue oculto por las tierras en donde existe cerca de un 90 % de secretos por descubrir; una ciudad que fue destruida y que hoy brilla con luz propia de nuevo.

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EN ESPAÑA, RECUPERACION DE PATRIMONIO

El Pórtico de la Gloria recupera el color del Románico

Por

Redacción

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https://www.revistadearte.com

Se ha restaurado una obra cumbre del arte medieval, que ha recuperado su esplendor, siguiendo unos criterios de intervención muy conservadores, manteniendo todos los restos de color conservados y retirando únicamente los depósitos nocivos acumulados sobre la superficie y que puedan afectar a la estabilidad de los materiales históricos, como es el caso de la suciedad, las sales, los restos de naturaleza biológica, los morteros de cemento y los productos consolidantes acrílicos poco compatibles con la superficie original. Entre los años 1168 y 1211, el Maestro Mateo desarrolló un ambicioso proyecto en la catedral compostelana que supuso la conclusión del templo románico, iniciado hacia 1075 y, al mismo tiempo, su adaptación espacial y conceptual.

José María Arias Mosquera, Presidente de la Fundación Barrié, y el Arzobispo de Santiago y Presidente de la Fundación Catedral, Julián Barrio y Barrio, han presentado hoy, 28 de junio de 2018, la culminación del proyecto de conservación y restauración del Pórtico de la Gloria y su entorno, enmarcado en el Programa Catedral de Santiago.

El Programa Catedral de Santiago ha sido promovido por la Fundación Catedral y la Fundación Barrié en colaboración con la Consellería de Cultura de la Xunta de Galicia y el Instituto del Patrimonio Cultural de España del Ministerio de Cultura y Deporte.

La restauración del Pórtico de la Gloria ha sido posible gracias al mecenazgo de la Fundación Barrié. De los más de 400 millones de euros que la Fundación ha destinado a Galicia desde 1966, el 36% corresponde a programas de Patrimonio y Cultura y de esta cantidad, solamente 11 millones de euros han sido destinados a proyectos de conservación, puesta en valor y restauración en la Catedral de Santiago de los cuales más de 6 millones han sido destinados al Programa Catedral sin contar la inversión en el programa de difusión y concienciación sobre la importancia de preservar nuestro patrimonio, un programa que ha contado con cerca de 1 millón de usuarios en España y en el extranjero.

La Fundación Barrié reafirma así su histórico y sólido compromiso con el Patrimonio de Galicia, tanto material como inmaterial, desarrollando y apoyando iniciativas encaminadas a su puesta en valor y conservación. El proyecto de conservación y restauración del Pórtico de la Gloria y su entorno, englobado en el Programa Catedral de Santiago, se suma a proyectos tan relevantes como la catalogación arqueológica y artística de Galicia; la recuperación del coro pétreo del Maestro Mateo; la reproducción en madera de los instrumentos del Pórtico o la publicación de los Cancioneros.

Esta ambiciosa intervención, precedida por un exhaustivo estudio previo que ha puesto en evidencia el dramático deterioro del Pórtico de la Gloria acelerado en los últimos diez-quince años según se ha podido comprobar por el material fotográfico existente y la urgencia de la intervención sobre esta obra culmen del románico europeo, ha permitido estabilizar el conjunto y preservar la policromía que todavía se conserva de un riesgo inminente de pérdida definitiva, conservándola para futuras generaciones.

Un proyecto de investigación y multidisciplinar basado en el rigor y la excelencia

Desde su inicio se ha puesto especial énfasis en la investigación y la transversalidad, contando con especialistas de todos los campos y poniendo en práctica las cartas de protocolo de los organismos internacionales como ICOMOS, ICCROM, ICOM que velan por la excelencia y las buenas prácticas en las intervenciones.

También ha supuesto una oportunidad de excepción para profundizar en el conocimiento de esta obra y del arte románico en general, así como en los procesos de deterioro que afectan a los conjuntos de piedra policromada, poniendo a punto criterios de intervención y metodologías de trabajo que una vez sistematizados podrán servir de modelo para otras actuaciones.

El proceso de restauración se ha desarrollado en varias fases, iniciándose en el año 2009 los estudios y diagnóstico que permitieron la redacción de una propuesta de intervención. En 2015 se completó el montaje del andamio para poder acceder a todos los relieves del nártex, abordando la intervención directa sobre los materiales.

Desde su inicio el proyecto ha apostado por la investigación y su duración en el tiempo ha permitido atraer a numerosos especialistas nacionales e internacionales de todas las disciplinas, que han aportado su experiencia para profundizar en el conocimiento de diversos aspectos como las diferentes etapas constructivas, las transformaciones del espacio, su uso, significación, programa iconográfico, los materiales empleados para la talla, las técnicas decorativas utilizadas para el policromado y la adaptación de su estética a través de los siglos.

Policromías

Durante la fase de intervención se ha confirmado la existencia de tres policromados al óleo que cambiaron la imagen del Pórtico. Una primera policromía con decoración medieval de la que se conservan bastantes vestigios como se puede apreciar en el ángel que porta la columna o los que portan la cruz y que conservan por completo la primera policromía (azul lapislázuli) pero que se ha identificado gracias al exhaustivo estudio realizado “in situ” en cada escultura mediante microscopía estereoscópica contrastado en los laboratorios del Instituto del Patrimonio Cultural de España con análisis estratigráficos, cromatografía de gases, espectroscopía infrarroja, espectroscopía Raman, difracción y fluorescencia de rayos X, entre otras técnicas utilizadas. Se han podido identificar la cuidada técnica y los ricos pigmentos empleados para su ejecución: albayalde, lapislázuli, bermellón, pigmentos de tierras, pigmento-laca roja, resinato de cobre, cardenillo, negro carbón vegetal y negro de huesos siempre aglutinados con aceite de lino. Emplearon láminas metálicas de oro puro y de manera puntual plata.

Las decoraciones de las vestiduras son fundamentalmente a base de medias lunas, formas polilobuladas, cuadrados y círculos, utilizando la técnica del estampillado sin relieve.

Un apartado destacable son las encarnaciones, ya que en gran medida aportan una información muy descriptiva respecto a la elaboración de la policromía de las figuras humanas, pues el color logrado es el que le da vida y expresión a las mismas.

Las encarnaciones de la primera policromía están aplicadas en capas muy finas, compuestas principalmente por albayalde, carbonato cálcico y bermellón, y de modo general el color que se aprecia es un rosado muy claro.

La segunda policromía se dataría en el siglo XVI coincidiendo con las modificaciones primeras de la portada exterior y momento de importantes obras en el templo.

La utilización del color es diferente en este caso; los azules son azuritas en algunos casos muy alteradas en la actualidad; para los rojos, utilizan bermellón y laca roja de cochinilla; para los verdes, verde de cobre y para los blancos pigmentos de plomo. Las encarnaciones son de color más intenso que en la primera policromía.

Si bien los materiales utilizados no fueron tan exclusivos, la singularidad más destacable de esta segunda intervención es la decoración de mantos y túnicas con brocados aplicados, técnica de origen flamenco que consiste en imitar en relieve los ricos tejidos bordados con oro de la época. Se conservan en la actualidad en mayor porcentaje en los mantos y túnicas de los profetas y apóstoles.

Las figuras del apóstol Santiago del Parteluz y el Pantocrátor probablemente también tuvieron decoración con brocados en los mantos, pero no se conservan restos.

La tercera policromía es la que se encuentra más visible en la actualidad. Se realizaría en el siglo XVII. La paleta cromática utilizada es muy similar a la renacentista. Destacando una mayor presencia de la lámina de oro, aportando un carácter barroquizante al pórtico.

Crispín de Evelino policromó los rostros, manos y pies en 1651, dejando constancia en un documento conservado en el archivo de la Catedral, único documento que se conserva sobre las policromías del Pórtico.

A partir de este momento aparecen policromados parciales realizados con una intención reparadora en las zonas más degradadas, así como veladuras en las figuras y encalados blancos o coloreados en la arquitectura del nártex que se aplicarían a partir del siglo XIX.

Un episodio de gran interés es la realización del vaciado en yeso para el Victoria and Albert Museum de Londres en 1866. Gracias a un convenio de colaboración con la Fundación Barrié y al proyecto europeo ARCHLAB3 se han podido relacionar ambas obras, pudiendo identificar los materiales empleados para el trabajo y su posible relación con algunos procesos de deterioro.

El hallazgo de un cuchillo con restos de escayola y una caja de cerillas datada en el último cuarto del siglo XIX depositada en una junta del tímpano son pruebas inequívocas de este momento.

Técnicas de nueva generación

El Pórtico estaba en una situación crítica con constantes desprendimientos de material y afectado por complejos mecanismos físico químicos de degradación de materiales. Además, los productos que se habían aplicado en las últimas intervenciones, muy poco compatibles con el monumento agravaban aún más esta situación.

Se han empleado un amplio rango de productos y sistemas de nueva generación para la conservación de las policromías, granitos, mármoles y morteros.

 

Igualmente se ha testado una amplia gama de productos para la limpieza, fijación y consolidación de los materiales, sometiéndolos a ciclos de envejecimiento en cámaras de ensayos con condiciones similares al Pórtico.

La metodología de trabajo ha permitido poner a punto un protocolo de evaluación del riesgo y la eficacia de cada tratamiento y realizar un continuo seguimiento de su comportamiento durante el desarrollo de los trabajos. Este protocolo ha generado un proyecto de investigación del Plan Nacional de Investigación en Conservación y se presentará al Comité Europeo de Normalización.

Los criterios de intervención han sido muy conservadores, manteniendo todos los restos de color conservados y retirando únicamente los depósitos nocivos acumulados sobre la superficie y que puedan afectar a la estabilidad de los materiales históricos, como es el caso de la suciedad, las sales, los restos de naturaleza biológica, los morteros de cemento y los productos consolidantes acrílicos poco compatibles con la superficie original.

No ha sido necesario reconstruir las faltas en la policromía dada la unidad estética lograda con los tratamientos de limpieza y estabilización aplicados, poniendo especial énfasis en el sellado de fisuras y juntas integradas cromáticamente con el soporte pétreo.

También para la documentación se ha recurrido a las últimas tecnologías, empleando técnicas fotogramétricas de alta resolución, escaneado 3D así como bases de datos para la gestión del ingente volumen de imágenes y textos acumulados durante estos años. Todos los datos se almacenan en la aplicación Sandstone, implementado por la Fundación Catedral Santa María de Vitoria y creada por Integrated Conservation Resources (ICR) bajo el patrocinio de la World Monuments Fund e incorporada al proyecto gracias a un convenio específico entre estas entidades, la Fundación Catedral y la Fundación Barrié.

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Sefarad: lengua, historia y cultura en Toledo

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El Instituto Cervantes y la Universidad de Castilla-La Mancha organizan la cuarta edición de estos cursos, que tendrá lugar durante junio y julio de 2018.

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El Instituto Cervantes y la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM), a través de su Fundación General, organizan en Toledo el ciclo de cursos «Sefarad: lengua, historia y cultura en Toledo» durante junio y julio de 2018.

El programa académico, bajo la dirección conjunta de ambas instituciones, contempla la impartición, en horario de mañana, de dos cursos independientes: «Toledo y Sefarad, periodo clave de la historia de España» (Curso I) y «Después de Sefarad, cinco siglos construyendo la identidad sefardí» (Curso II). El programa cultural incluye visitas por la tarde a monumentos o lugares de la ciudad relacionados con los contenidos de los cursos.

El programa se completa extracurricularmente con talleres de tarde y con excursiones fuera de Toledo los sábados.

Los participantes, además de asistir con provecho a los cursos formativos de carácter histórico-cultural, podrán vivir un intenso periodo de inmersión lingüística y conocer de cerca muchos aspectos del día a día de la sociedad española.

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En México

Elena Poniatowska inaugura espacio cultural que será “la casa del barrio”

 
 

Isabel Reviejo

México, 14 jun (EFE).- “Va a ser la casa del barrio”: esto es lo que Elena Poniatowska promete sobre el nuevo recinto cultural que hoy inauguró en Ciudad de México, un espacio en el que convivirán diferentes expresiones artísticas y conservará el archivo de la escritora mexicana.

En el patio central de la Casa Elena Poniatowska, la que es a partir de ahora la sede de la Fundación del mismo nombre, la autora llevó a cabo una presentación del nuevo centro, acompañada de su hijo Felipe Haro.

“Va a haber talleres de literatura, conferencias, clases de lo que quieran, a partir de los intereses de la gente”, afirmó a Efe Poniatowska, ganadora del Premio Cervantes 2013.

Entre estas actividades artísticas y culturales, que harán del recinto una casa “muy vital”, habrá conferencias de distintos temas, para los cuales la reconocida escritora invitará a sus “amigos”.

Avanzó que también se realizará un ciclo en recuerdo a la masacre estudiantil de Tlatelolco, de la que este año se cumple el 50 aniversario.

La programación, insiste la autora de “La piel del cielo”, se realizará “siempre a partir de lo que la gente quiere, porque para qué imponer nada”.

Por ejemplo, “si (los vecinos) piden presentar una obra de teatro, estrenar su propia obra, eso va a ser importantísimo”.

La escritora (París, 1932) se mostró entusiasmada con la ubicación de la casa, la colonia Escandón, “un barrio muy bonito y sin pretensiones”.

“Los vecinos están muy contentos, están muy felices, participativos; están encantados y eso es padrísimo”, expresó.

El espacio principal de la Casa Elena Poniatowska será el patio central, el cual está rodeado de fotografías de la escritora con destacados personajes como los autores Carlos Fuentes, Gabriel García Márquez y Julio Cortázar, la activista Marta Lamas o el sacerdote y defensor de los migrantes Alejandro Solalinde.

Además, consta de salas de exposiciones, una aula de usos múltiples, dos área de talleres, una documental y una biblioteca.

La autora celebró que la institución albergue su obra y archivo histórico: “Todo se iba a ir a Estados Unidos, para estudiarlo; entonces, que se quede todo en México”.

Eso sí, matiza, hay que “aprender a cuidarlo, que no tenemos mucha práctica” en el país.

En unas breves palabras que dirigió a los asistentes -que la recibieron con el entusiasmo habitual-, Poniatowska subrayó que la Casa es, sobre todo, “un acto de amor de un hijo para una madre”, refiriéndose a Haro, impulsor de la Fundación y director de la misma.

En su intervención, Haro recordó que las universidades de Princeton y Stanford se mostraron interesadas en comprar todo el archivo de la escritora, incluyendo manuscritos, cartas y documentos.

Comentó que en ese momento tomó una decisión que podría tomarse como “un acto patriótico” y quizá “estúpido”.

“Le digo (a Poniatowska) que este archivo no se debe vender, porque es de los mexicanos”, relató.

De esta forma, “empezamos a crear este sueño”; es decir, la Fundación, dijo Haro sin poder contener su emoción.

El secretario de Cultura capitalino, Eduardo Vázquez, remarcó que la Casa será “el resguardo de un patrimonio fundamental” y transmitirá el “saber” de la escritora.

“Para que entre todos -añadió-, continuemos este trabajo de escuchar la crónica de nuestro tiempo”, igual que lo ha hecho a lo largo de toda su trayectoria Poniatowska, conocida por ser la escritora que ha dado voz a aquellos que no son escuchados.

Vázquez recordó cómo fue la primera visita que hizo al lugar acompañado de quien era, por aquel entonces, el secretario federal de Cultura, Rafael Tovar y de Teresa: “Esto era una ruina. La casa era un proyecto, y este tipo de espacios son siempre eso, antes que nada, una idea, un sueño, un deseo”.

“Vamos a trabajar para que esta sea una casa viva, como lo ha sido siempre Elena”, concluyó el secretario. EFE

irg/msc/jsm

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España/

Más de 400 actividades en la Feria del Libro de Madrid

La septuagésimo séptima edición de la mayor cita de los lectores en España volverá al parque de El Retiro del 25 de mayo al 10 de junio. La Feria del Libro de Madrid ha presentado hoy su amplia programación, que incluye más de 400 actividades en torno a la literatura. Como en anteriores ediciones, el acto ha tenido lugar en CentroCentro Cibeles, espacio cultural del Ayuntamiento de Madrid, la administración que colabora en la organización de la Feria desde sus inicios en 1933 y que ha organizado propuestas para sumarse a este evento.

La presentación ha contado con la presencia de Carmen Rojas, coordinadora general de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Madrid; Belén Llera, directora General de Bibliotecas, Archivos y Museos del Ayuntamiento de Madrid; Reyes Díaz-Iglesias, presidenta de la Asociación de Librerías de Madrid; Manuel Gil , director de la Feria del Libro de Madrid; Ioana Anghel , directora del Instituto Cultural Rumano en España; y Eugenio Solla , director Corporativo de la Territorial Madrid Norte de Bankia.

Ejes principales de la Feria

Bajo el lema ‘Leer para saber, leer para imaginar’ la programación de la 77ª Feria del Libro de Madrid está diseñada para facilitar la creación de ambientes y de espacios lúdicos y pedagógicos que promuevan el contacto directo con los libros.

En la edición de 2018, Rumanía será el país invitado de la Feria. Cabe resaltar que España es el país donde más literatura rumana se traduce, por lo que los visitantes tendrán la oportunidad de conocer de primera mano a los autores cuyas obras posiblemente ya hayan leído o les sean conocidos. Es el caso de Mircea Cãrtãrescu y de Ana Blandiana.

Durante 17 días, las 363 casetas que conforman este año la Feria subirán sus persianas para que los ciudadanos durante puedan disfrutar de los libros en todo su esplendor. Editoriales, librerías, asociaciones e instituciones, entre otras representaciones, mostrarán sus novedades y fondo de catálogo para que los lectores encuentren el libro que buscan.

A todo ello se suma un programa de propuestas para todas las edades y de todos los ámbitos que llenará con más de 400 actividades los diferentes espacios de El Parque del Retiro, entre los que se encuentran, entre otros, el Pabellón Bankia de Actividades Culturales, el Pabellón de Rumanía, país invitado en esta edición, el Espacio Jóvenes Car2go, el Pabellón Infantil y la Biblioteca Eugenio Trías.

Citas en la biblioteca

La biblioteca Eugenio Trías, ubicada en el parque de El Retiro, en el espacio que albergó la antigua Casa de Fieras y que forma parte de la red de bibliotecas públicas del Ayuntamiento de Madrid, albergará actividades en torno al libro y la lectura durante todos los días de la Feria.

Ofrecerá presentaciones de libros y documentales, encuentros con autores, charlas, mesas redondas y debates de la más variada temática. Para los más pequeños, este espacio se convierte en escenario de cuentacuentos, en español y en inglés, y talleres. Los adultos también podrán disfrutar de esta última actividad, con, por ejemplo, un taller de ‘retro fotos’.

La oferta incluye también dos exposiciones en torno a la literatura: ‘Fernando Pesoa, el astrólogo’ y ‘Crecer como un río, crecer leyendo’.

Este espacio municipal también acogerá la celebración del Congreso Internacional de Derechos de Autor y Propiedad Intelectual, que analizará los derechos de los autores tanto en España como en Europa, los días 7 y 8 de junio.

Te receto un libro

Bajo este título se celebrará en la caseta del Ayuntamiento, que por primera vez en esta edición es de uso exclusivo municipal, una actividad de promoción de la lectura. Escritores y experto en literatura se convertirán en doctores que “curarán” a quienes acudan a consultarse recetándoles en libro más adecuado para su dolencia, firmado por su autor. Esta singular atención tendrá lugar todos los sábados y domingos mientras dure la Feria.

La Banda Sinfónica Municipal también se vuelve bibliófila e interpretará un repertorio de obras inspiradas en noveles o personajes literarios, como ‘La venta de Don Quijote’, de Ruperto Chapí o la Tom Sayer Suite, de Franco Cesarini./

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Lolita”, revisitada

Francisco R. Pastoriza

16/05/2018

La novela de Vladimir Nabokov sometida a nuevas miradas a la luz del feminismo

 

Xulio Formoso: Lolita & Nabokov
Xulio Formoso: Lolita & Nabokov
Puedes encargar un póster de este dibujo de Xulio Formoso a publicidad@enlacemultimedia.es

El protagonismo de los movimientos feministas en estos primeros meses de 2018 y la denuncia de delitos de acoso sexual a cargo del movimiento #MeToo, a raíz del caso del productor Harvey Weinstein, han devuelto a la actualidad algunos episodios que permanecían enterrados o casi en el olvido.

Se ha vuelto a hablar del supuesto delito de pederastia de Woody Allen, se recrudece el caso de la violación de una menor a cargo de Roman Polansky, se han destapado nuevos casos de acoso sexual protagonizados por personajes del mundo de la farándula, desde Kevin Spacey a Dustin Hoffman, todos posiblemente necesitados de una revisión a la luz de nuevos datos y consideraciones. Menos oportuna parece la exigencia desde ciertas instancias feministas de prohibir “por machistas”, como textos escolares, las obras de autores como Javier Marías, Arturo Pérez Reverte o ¡atención! Pablo Neruda. Aprovechando la marea abierta por iniciativas progresistas para volver sobre las relaciones entre la moral y el sexo, algunas propuestas parecen retrotraer a la sociedad a épocas en las que los gustos estaban dictados por una censura inquisitorial que decidía aquello a lo que se podía tener acceso en el mundo de la cultura. En la actualidad la persecución a obras de arte relacionadas con la moral y el sexo está alcanzando cotas verdaderamente inquietantes, como el caso de la reciente retirada del Museo Metropolitano de Nueva York del cuadro de Balthus “Teresa soñando”.

Con ella llegó el escándalo

Otro episodio polémico en la aplicación de lo políticamente correcto a una obra cultural es el de “Lolita” de Vladimir Nabokov, la novela que provocó uno de los mayores escándalos literarios en la sociedad puritana de los años 50 del siglo XX a causa de la moralidad de su trama y de sus protagonistas (antes de su publicación había sido rechazada por cinco importantes editoriales norteamericanas por miedo a la censura).

“Lolita” ha vuelto a ser sometida estos días a la crítica desde estos nuevos presupuestos revisionistas. Está muy clara la intención de Nabokov de provocar la polémica desde el momento en que, desde el principio de la novela, sitúa al protagonista, Humbert Humbert, ante un jurado que va a decidir sobre su moral: en realidad el jurado somos nosotros, los lectores. Y aunque a lo largo de la novela por momentos nos seducen sus declaraciones, Nabokov siempre deja claro que se trata de un asesino y un violador. Lo que hace Nabokov es penetrar con absoluta maestría en la sicología y en la mente enferma de un personaje lleno de contradicciones, culto, atractivo, seductor, que se ha fabricado minuciosamente las circunstancias de una cartografía en la que desarrollar sus obsesiones perversas.

Quiero dejar constancia que para mí “Lolita” es una de las grandes novelas del siglo XX, no por su temática –o no sólo por ella- sino por los grandes valores literarios que ha supuesto para la narrativa contemporánea y por la denuncia de los vicios de la sociedad norteamericana: la hipocresía, la pérdida de valores, la decadencia de la vida de provincias, la debilidad del matriarcado.

Para la escritora Laura Freixas, que no niega la calidad de la novela, sin embargo “Lolita” es antes que nada una historia de violencia ejercida por un hombre contra una mujer, sin que haya que considerar si la intención de Nabokov fue la de denunciar precisamente esa violencia (“no analizo las opiniones del ciudadano Nabokov -dice la escritora- sino la novela, fuese cual fuese la intención consciente de su autor”). Según Laura Freixas la calidad de la novela hace olvidar a sus lectores que está mal violar niñas. Otra escritora, Lola López Mondéjar, autora de “Cada noche, cada noche” (Siruela), asegura que “Lolita” es una apología del delito porque lo que cuenta es un abuso, una historia de sexualidad machista y de dominio, cuyo fin es enmudecer a la niña, a la que se demoniza y culpa del deseo sexual de Humbert Humbert, que es además su padrastro. El crítico Robertson Davies llegó a afirmar, en efecto, que el tema de “Lolita” no es la corrupción de una criatura inocente por un adulto sino “la explotación de un adulto débil por una criatura corrupta”. Freixas y Mondéjar manifiestan lo que ya en los Estados Unidos escribieron no hace mucho críticas como Maya Mutter y Sarah Herbold, y que es una constante desde la aparición de la novela.

¿Una historia de amor?

Acertó Brian Boyd en el capítulo de la biografía de Nabokov dedicado a “Lolita” (“Los años americanos”. Anagrama) cuando dice: “Lolita nunca dejará de escandalizar. Oscilando frenéticamente de emoción en emoción, nos desequilibra línea tras línea, página tras página. Estudio de un caso de abuso sexual, también consigue, contra todas las expectativas, ser una apasionante y conmovedora historia de amor”. Es esta última afirmación lo que niegan quienes descalifican ahora la novela a la luz de la moral. No puede ser una historia de amor, dicen, la relación entre una niña y un adulto que la somete sexualmente utilizando la violencia.

“Lolita” no es, en efecto, la historia de un amor correspondido en el plano sentimental (aunque en los primeros encuentros con Humbert Humbert Lolita dice estar enamorada locamente de él, cosas de niña) sino la del amor por una niña de un hombre pervertido, un amor que permanece a través de los años. Desde el memorable principio de la novela (“Lolita, luz de mi vida, fuego de mis entrañas”) hasta el final, cuando tiene lugar el reencuentro (ella ya está casada y se niega a seguirle), Humbert Humbert sigue manteniendo ese amor: “La miré y la remiré y comprendí, con tanta certeza como que me he de morir, que la quería más que a nada en este mundo”. Se trata de un amor que sólo existe en la mente de un hombre, un amor que no puede ser comprendido por nadie más, pero amor al fin y al cabo.

En mi opinión los errores sobre el mensaje que transmite la novela en este sentido provienen de hacer una lectura de “Lolita” como si fuera una novela de amor antes que un viaje a la mente de un sicópata. Como escribió, hablando de “Lolita”, Guillermo Cabrera Infante (quien por cierto relacionaba a la protagonista de la novela con el cuadro citado de Balthus, que, cosas de la vida, era el pintor preferido de Nabokov), “pocos libros han sido tan humanos”.

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En España

Inauguración de una nueva exposición de Las Edades del Hombre

La Reina Doña Sofía presidió la inauguración de esta vigésimo tercera muestra de “Las Edades del Hombre”, que profundiza en el rico significado de la montaña dentro de la tradición simbólica cristiana y de la extensa historia religiosa de la humanidad.

Doña Sofía inició la visita a la muestra en la iglesia de Santa Cecilia y continuó por la colegiata de San Miguel, durante el recorrido por la exposición estuvo acompañada por el presidente de la Junta de Castilla y León, Juan Vicente Herrera; la presidenta de las Cortes de Castilla y León, Silvia Clemente; la delegada del Gobierno en la Comunidad de Castilla y León, María José Salgueiro; la alcaldesa de Aguilar de Campoo, María José Ortega; el obispo de Palencia, Manuel Herrero, y el obispo de Ciudad Rodrigo y vicepresidente de la Fundación “Las Edades del Hombre”, Raul Berzosa.

Bajo el título “Mons Dei”, entre mayo y noviembre de 2018, la exposición de Aguilar de Campoo profundiza en el rico significado de la montaña dentro de la tradición simbólica cristiana y de la extensa historia religiosa de la humanidad. Una propuesta de fe, arte, naturaleza, en ese empeño de convertir cada edición de Las Edades del Hombre en un diálogo entre la Fe y la Cultura.

Pocas realidades son capaces de aunar en la montaña a Dios y a los hombres como lo hacen las iglesias románicas, atrapadas por el tiempo en la montaña palentina, motivo por el cual a esta edición le añadimos un epílogo: “Ecclesia Dei”, una invitación a recorrer también el entorno y hallar cobijo entre sus templos románicos.

Las montañas han sido veneradas en las grandes religiones como lugares sagrados donde el hombre experimenta lo “tremendo y fascinante” del Misterio. A ellas levanta sus ojos y dirige sus pasos buscando la unión con Dios. Los montes simbolizan la cima de la Creación Divina, la morada donde la revelación trasciende, el lugar donde están llamados los hombres para encontrarse con Él y alcanzar la perfección.

Siete capítulos compondrán la exposición palentina. “Levanto mis ojos a los montes”, “Del Sinaí al Santuario”, “La nubecilla del Carmelo”, “Cristo, el monte de salvación”, “Una ciudad puesta en lo alto de un monte”, “La subida al monte de perfección” y “Preparará el Señor para todos los pueblos en este monte un festín”.

“Mons Dei” contará con un epílogo: Ecclesia Dei. Las Edades, en colaboración con el obispado de Palencia y la Fundación Santa María la Real del Patrimonio Histórico ha diseñado un entramado de siete rutas para que el visitante de la exposición continúe su camino a través de iglesias de la Montaña Palentina.

Las sedes de la exposición de esta vigésimo tercera edición serán la iglesia de Santa Cecilia y Colegiata de San Miguel.

Los grandes de nuestro patrimonio encabezarán la exposición, Gregorio Fernández, Juan de Juni, El Greco, Alonso Cano, Goya, Berruguete, Alejo de Vahía… arropados por una gran representación cualitativa en el apartado contemporáneo: nombres de la talla de Daniel Quintero, Alfonso Galván, Luciano Díaz Castilla, Luis Feo y de nombres vinculados a la tierra palentina como Antonio Guzmán Capel, Ursi o Victorio Macho.

Desde su nacimiento en 1988, la fundación de las Edades del Hombre ha invitado a descubrir una parte de la región a través de sus piezas de arte sacro, y al tiempo realizar una visita turística, cultural y también gastronómica a las ciudades que han acogido sus exposiciones.

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Madrid experimenta con proyectos artísticos para transformar espacios

Un descampado convertido en un campo de lavanda, un jardín comestible, una ‘biciblioteca’, una ópera colaborativa o una fiesta ‘rara’. Arganzuela, Carabanchel, Fuencarral-El Pardo, Moncloa-Aravaca, Tetuán, Usera, Puente de Vallecas y Vicálvaro son los distritos que recuperarán en los próximos meses nueve espacios hasta ahora en desuso gracias a los proyectos de Imagina Madrid. Una iniciativa del Área de Cultura y Deportes del Ayuntamiento de Madrid, coordinada desde Intermediae, que presenta intervenciones artísticas que buscan transformar el espacio público.

Los nueve proyectos de Imagina Madrid son el resultado de una convocatoria para artistas y creadores que ha recibido 175 propuestas. Tras ser evaluados por un comité de expertos, los proyectos han sido debatidos en mesas de trabajo compuestas por equipos artísticos y el tejido vecinal. El resultado es un conjunto diverso de iniciativas artísticas que modificarán durante los próximos meses solares, plazas, calles, parques y miradores de la ciudad.

La portavoz de Gobierno municipal, Rita Maestre, la directora de Matadero Madrid, Rosa Ferré y el coordinador del proyecto, Juan López-Aranguren, han presentado en Matadero Madrid los proyectos de Imagina Madrid en el marco de un programa de actividades que contará con la participación de cuatro expertos internacionales de referencia en el ámbito de la arquitectura y el paisaje urbano: José Chong, de ONU-Habitat; Ethan Kent, de Projects for Public Space; Pola Mora de Arch Daily; y José Luis Vallejo, de Ecosistema Urbano.

En sintonía, en la plaza Rutillio Gacís de Arganzuela; Paraíso (in)habitado, en el solar Ana María Matute y Jardín de los libros nómadas, en el solar de Opañel, ambos en Carabanchel; Acciones (extra)ordinarias en la plaza de la Vaguada de Fuencarral-El Pardo; Haciendo Plaza, en la plaza del “Ahorra Más” de Valdezarza, Moncloa-Aravaca; El beso, en la calle Topete de Tetuán; Fiestas raras, en el Parque de Pradolongo de Usera; Kópera, en el Mirador del Payaso Fofó de Puente de Vallecas; y Plantación de la memoria, en la plaza de las Brigadas Internacionales de Vicálvaro, son los nueve proyectos que, a través de la creación artística, la innovación y la participación ciudadana, pretenden dar respuestas a las particularidades de cada espacio.

“Imagina Madrid supone una apuesta innovadora a través de la cultura para recuperar espacios degradados uniendo saberes: el de los artistas, los vecinos y vecinas y los expertos internacionales. Esa suma nos devuelve un proyecto de referencia y una apuesta por construir Madrid desde el afecto y no desde la dureza que a veces caracteriza a las grandes ciudades” ha comentado Rita Maestre, portavoz del Gobierno Municipal. Por su parte Rosa Ferré, directora de Matadero, ha anunciado que Imagina Madrid tendrá continuidad en el futuro en un formato de bienal.

Del “césped de la Plaza Mayor” a 8 distritos

Tras recoger los deseos, memorias e historias de los vecinos y vecinas de nueve lugares en desuso e incluso degradados de ocho distritos de la ciudad de Madrid, Imagina Madrid invitó a artistas y creadores a presentar proyectos materiales o inmateriales para transformar esos espacios a través del arte y el paisaje urbano. Ocho distritos de Madrid serán el escenario para esas intervenciones artísticas, como sucedió en el mes de septiembre con la intervención artística de Spy que transformó el uso de la Plaza Mayor introduciendo una capa de césped.

En Arganzuela, la plaza Rutilio Gacís se reactivará como lugar de encuentro con un laboratorio de creación radiofónica. Carabanchel recibirá dos proyectos, el que actuará sobre el solar de la Biblioteca Ana María Matute, con la organización de paseos guiados y la creación de un archivo sonoro, y el que tendrá lugar en el solar de Opañel, que impulsará el amor por los libros con una ‘Biciblioteca’ y un jardín comestible.

La plaza del “Ahorra más” de Valdezarza se revitalizará con acciones festivas en torno a la música, la cocina y la cultura, con dos cocinas móviles y un sistema de sonido móvil. En Fuencarral-El Pardo, la plaza de la Vaguada acogerá un programa de acciones relacionadas con el baile, la coreografía y la performance, así como la transformación del propio espacio de la plaza en torno a la imagen de una grieta.

Con un enfoque feminista, la calle Topete de Tetuán será la protagonista de un relato creado a partir de grabaciones y fotografías aportadas por vecinas, trabajadoras y mujeres del barrio que podrá visualizarse por internet. Por su parte, la fiesta entendida como eje para sentir y vivir el espacio es el argumento del proyecto del Parque de Pradolongo de Usera: una Comisión de Fiestas y un mapeo de fiestas memorables que desembocará en una gran ‘fiesta rara’ final.

El Mirador del Payaso Fofó de Puente de Vallecas será argumento y escenario para la creación de la Ópera ValleKana Kolaborativa, que reunirá testimonios personales de los habitantes de la torre San José y el territorio de Vallecas. Por último, la plaza de las Brigadas Internacionales de Vicálvaro se convertirá en un gran campo de hierbas aromáticas que también acogerá diferentes acciones de performance.

La presentación de proyectos de Imagina Madrid es un paso más en el recorrido de una iniciativa abierta y en continua evolución. Los proyectos artísticos seleccionados, algunos ya en desarrollo, otros a punto de arrancar, se desarrollarán hasta finales de 2018. El programa, de carácter bienal, abrirá una nueva convocatoria en primavera de 2020, con el propósito de convertirse en una cita imprescindible para la reflexión y transformación del espacio público desde disciplinas que desbordan el urbanismo clásico.

Expertos internacionales debaten sobre nuevos entornos urbanos

La presentación de los proyectos de Imagina Madrid se enmarca dentro del programa de actividades “Paisajes en movimiento”. Desde el martes 8 hasta el jueves 10 de mayo, en el Centro de Residencias Artísticas (Antigua Nave 16) de Matadero Madrid, el público podrá visitar una exposición que tiene como objetivo trasladar al público los procesos de ideación, creación y ejecución de las intervenciones artísticas en los distritos.

En torno a esa muestra, el programa trae a Madrid a cuatro expertos internacionales con importantes trayectorias en procesos y reflexiones similares a las que se han desarrollado en el proyecto. José Chong, coordinador técnico del Programa Global en Espacio Público de la Agencia de las Naciones Unidas para los Asentamientos Humanos (ONU-Habitat); Ethan Kent, vicepresidente de la fundación Projects for Public Space (PPS); y Pola Mora, responsable de comunidades y alianzas de sitio especializado en arquitectura Arch Daily, serán los protagonistas de una conferencia pública moderada por José Luis Vallejo, cofundador y codirector del estudio Ecosistema Urbano, en la que reflexionarán sobre la capacidad que ofrece el arte para crear nuevos entornos urbanos. La cita será el jueves 10 de mayo a las 19.00 horas en la Nave 16.2 de Matadero Madrid.

El programa incluye, además, jornadas de trabajo con los equipos de Imagina Madrid, tres talleres dirigidos por los especialistas internacionales y un tour en autobús. Este recorrido crítico por la ciudad de Madrid está dirigido a técnicos, profesionales y público general. En él se presentarán varios programas culturales participativos de la ciudad. Las actividades requieren inscripción previa en la web www.imagina-madrid.es.

Imagina Madrid

Imagina Madrid (www.imagina-madrid.es) es una iniciativa del Ayuntamiento de Madrid coordinada desde Intermediae que forma parte de los planes de actuación que ha puesto en marcha el Área de Gobierno de Cultura y Deportes a través de la Dirección General de Intervención en el Paisaje Urbano y el Patrimonio Cultural promoviendo la implicación y participación de la ciudadanía en la mejora del espacio público y el paisaje urbano. El programa explora nuevos modos de construir ciudad, utilizando el paisaje y el arte como herramientas para el abordaje del espacio público, y promueve intervenciones tanto materiales como inmateriales. /

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Alma Guillermoprieto, Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades

La periodista mexicana Alma Estela Guillermo Prieto, conocida como Alma Guillermoprieto, ha sido galardonada con el Premio Princesa de Asturias de Comunicación y Humanidades 2018, según hizo público hoy en Oviedo el jurado encargado de su concesión.

El jurado de este Premio –convocado por la Fundación Princesa de Asturias– estuvo presidido por Víctor García de la Concha e integrado por Luis María Anson Oliart, Alberto Edgardo Barbieri, Juan Barja de Quiroga Losada, César Bona García, Irene Cano Piquero, Aurora Egido Martínez, Taciana Fisac Badell, Elsa González Díaz de Ponga, Alan Goodman, José Antonio Sánchez Domínguez, Diana Sorensen, José Antonio Vera Gil y Alberto Anaut González (secretario).

Esta candidatura ha sido propuesta por Antonio Lucas, miembro del jurado del Premio Princesa de Asturias de las Letras 2018.

Nacida en Ciudad de México en 1949, Alma Guillermoprieto ha desarrollado toda su carrera en Estados Unidos. Siendo una adolescente se trasladó a Nueva York para vivir con su madre. Con formación de bailarina, en 1969 viajó a La Habana para impartir clases de danza y fue allí donde, en 1978, se inició en el periodismo como freelance. Comenzó como reportera de América Central para el diario The Guardian y más tarde para The Washington Post, donde fue redactora de plantilla en los años 80. Tras un breve período como responsable de la corresponsalía para América del Sur del semanario Newsweek, decidió continuar su carrera como independiente. Desde 1989 ha escrito sobre América Latina para The New Yorker y The New York Review of Books y varias publicaciones en español. En 1995 Gabriel García Márquez la invitó al taller inaugural de la Fundación para el Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), y, desde entonces, imparte talleres para jóvenes periodistas. Fue profesora visitante en las universidades de Harvard, Chicago, California en Berkeley y Princeton, entre otras. Forma parte del cuerpo de profesores de la FNPI y del consejo asesor del Programa Latinoamericano de la Open Society Foundations, fundado por el magnate George Soros.

En sus casi cuarenta años de carrera, con sus crónicas y libros sobre las políticas y cultura de Latinoamérica, Alma Guillermoprieto ha logrado transmitir la compleja realidad de esta región, en especial al público angloparlante, convirtiéndose en una referencia internacional. Ejerce el periodismo narrativo escribiendo “con un profundo conocimiento y un detalle exquisito”. Su trayectoria empezó cubriendo la insurrección nicaragüense en los años 70 para The Guardian. Fue en 1982 cuando destacó como una de las dos periodistas que desvelaron, ella en The Washington Post, la masacre de civiles en El Mozote (El Salvador) por parte del Ejército salvadoreño. Los funcionarios finalmente reconocieron la matanza, cuyos detalles se corroboraron muchos años después al descubrirse las fosas comunes.

Ha escrito, entre otros temas, sobre Sendero Luminoso en Perú, el terrorismo de Estado en Argentina, el conflicto civil y el narcotráfico en Colombia y las guerras de la droga en México. Su primer libro fue Samba (1990), sobre su tiempo en una escuela en Mangueira, cerca de Río de Janeiro, al que le siguieron varios que recogen sus crónicas como Al pie del volcán te escribo (1995) –publicado originalmente como The Heart That Bleeds: Latin America Now (1994)–, Los años en que no fuimos felices (1998), Las Guerras en Colombia: tres ensayos (2000) o Desde el país de nunca jamás (2011), una selección de textos escritos entre 1981 y 2002. Otros de sus títulos son Historia escrita (2001), La Habana en un espejo (2005) – traducción de Dancing with Cuba: A Memoir of the Revolution (2004–, en los que describe la vida cotidiana durante la revolución; 72 migrantes (2011) y Los placeres y los días (2015).

Guillermoprieto es miembro honoraria de la Academia Americana de las Artes y las Ciencias y doctora honoris causa por el Baruch College de la Universidad de la Ciudad de Nueva York. Entre los premios que ha recibido están el Maria Moors Cabot (EE.UU., 1990), el de la Asociación de Estudios Lationamericanos a Medios (EE.UU., 1992); el MacArthur Fellow (EE.UU., 1995); el George Polk (EE.UU., 2000); dos del Overseas Press Club of America en 2008 y 2010 (compartido con Shaul Schwarz); el Lifetime Achievement de la International Women’s Media Foundation (EE.UU., 2010) y el Premio Ortega y Gasset a la Trayectoria Profesional del diario El País (España, 2017).

Los Premios Princesa de Asturias están destinados, según señala su Reglamento, a galardonar “la labor científica, técnica, cultural, social y humanitaria realizada por personas, instituciones, grupo de personas o de instituciones en el ámbito internacional”. Conforme a estos principios, el Premio Princesa de Asturias Comunicación y Humanidades se concederá a “la labor de cultivo y perfeccionamiento de las ciencias y disciplinas consideradas como actividades humanísticas y de lo relacionado con los medios de comunicación social en todas sus expresiones”.

En esta edición concurrían un total de 27 candidaturas procedentes de 10 países.

Este ha sido el segundo de los ocho Premios Princesa de Asturias que se conceden este año, en que cumplen su trigésimo octava edición. Anteriormente fue otorgado el Premio Princesa de Asturias de las Artes al cineasta estadounidense Martin Scorsese. En las próximas semanas se fallarán los correspondientes a (por orden) Cooperación Internacional, Deportes, Letras, Ciencias Sociales, Investigación Científica y Técnica y Concordia.

El Premio está dotado con una escultura de Joan Miró –símbolo representativo del galardón−, la cantidad en metálico de 50.000 euros, un diploma y una insignia.

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REPUBLICA DOMINICANA

Feria Internacional del Libro 2018: Crónica de una decadencia anunciada

Feria Del Libro
La 21ª Feria Internacional del Libro Santo Domingo (FILSD 2018), organizada por el Ministerio de Cultura, concluye hoy a las 9 de la noche, completando así, once días de intensa actividad literaria y cultural.

Publicado por: Servicios PP

https://primeraplanany.com

1 MAYO  2018

Por Máximo Vega

SANTO DOMINGO, RD.-A partir del año 2004, ya consolidada la creación del Ministerio de Cultura de la República Dominicana, la Feria Internacional del Libro se convirtió en la más importante Feria de su tipo del Caribe, y una de las más importantes de toda Latinoamérica.

Escritores internacionales tan notorios como Eduardo Galeano, Carlos Fuentes, Mario Vargas Llosa, Sergio Ramírez, Ana María Matute, Sergio Pitol (lamentablemente fallecido hace unas semanas), estos últimos cinco ganadores del Premio Cervantes de Literatura, así como Eliseo Alberto, también un excelente escritor, ganador del Premio Alfaguara con su novela “Caracol Beach”, hijo del poeta cubano Eliseo Diego, o las puertorriqueñas Rosario Ferré, Mayra Montero, Ana Lydia Vega, la española Almudena Grandes, que dicho sea de paso sirvió luego de anfitriona a la antología de escritores dominicanos “Los Cactus no le Temen al Viento” del antólogo y traductor Danilo Manera cuando fue publicada en España por Siruela, Tomás Gutiérrez Alea, Rafael Ramírez Heredia, hasta Isabel Allende: en fin, una serie de escritores importantes que año tras año la visitaban, y que con su presencia provocaron que fuera reconocida no solamente a nivel nacional, sino internacional, incluso en países donde no se habla español, como lo demuestra la antología del doctor Manera, u otra publicada por él en Italiano en la que yo participo: “Santo Domingo: Respiro del Ritmo”, con la editorial Stampa Alternativa, además de la edición original de “I Cactus Non Temono Il Vento. Racontti da Santo Domingo” con Feltrinelli. Esas antologías sirvieron para que escritores como Ángela Hernández, Marcio Veloz Maggiolo o Luis Martín Gómez publicaran algunos de sus libros en Italia, y además en España con la editorial Siruela, donde el libro de don Marcio, “La Mosca Soldado”, fue nominado a mejor novela del año 2004 en ese país.

Pero no solamente podemos hablar de estas cuestiones anecdóticas. A la Feria Internacional del Libro de Santo Domingo asistía alrededor de un millón de personas todos los años, por lo que una comisión de la Feria del Libro de Guadalajara, México, que es la Feria más importante de Latinoamérica y una de las más importantes del mundo, viajó a la República Dominicana para averiguar cómo era posible que en un país tan pequeño como éste asistiera tanta gente a ese evento, cuando la mayor cantidad que había asistido a la de Guadalajara era alrededor de 600,000 personas. Lo mismo puede decirse de la Feria del Libro de Bogotá de este año, en Colombia, que ha crecido a pasos agigantados y que espera romper el récord de asistencia del año pasado, que fueron precisamente 600,000 personas. Pero también me atrevo a recordar todos las obras que se publicaban anualmente, la “funda de cultura” llena de libros que me llegaba a mí, un escritor desconocido, pero también a muchos otros lectores y escritores conocidos o desconocidos, para que leyera los libros de la Feria y los compartiera en el Taller de Narradores de Santiago, con otros grupos literarios o en los clubes de lectura que creamos en los barrios.

La Feria Internacional del Libro tenía el apoyo incondicional de los medios de comunicación, y recuerdo las transmisiones en vivo que se hacían a través de CDN y otros canales de televisión nacionales, e incluso las reseñas en canales internacionales como CNN o TVE. Los debates, las discusiones, los viajes de Santiago a Santo Domingo porque en esa época yo producía el programa cultural “Sala de Arte” de Florángel Cabrera, que se transmitía por el Canal 29, y cubríamos fielmente la Feria todos los años.

Tengo entrevistas grabadas en video con Enriquillo Sánchez, Marcio Veloz Maggiolo, Bruno Rosario Candelier, Manuel Rueda, José Rafael Lantigua, que fue el creador de esa Feria antes de ser Ministro de Cultura. Con escritores locales invitados como Fernando Cabrera, Manuel Llibre, Rosa Silverio, porque estoy consciente de que se trataba de ser lo más abierto posible. Pero me invade la nostalgia precisamente porque ya esa época dorada terminó, y la Feria Internacional del Libro se ha convertido en una sombra de lo que una vez fue. Es lamentable el nivel de desolación al que ha llegado ese evento.

En el momento en que necesitamos cada vez más la lectura (ahora tenemos un país alfabetizado, lo que debería ayudar en ese sentido), es lamentable que esa Feria (escribo la palabra “Feria”, pero esto no llega ni por asomo a eso) ni siquiera atraiga la atención de los medios de comunicación o de los propios interesados en ella, que son los escritores o las personas que venden libros o a las cuales les interesan los libros. Asistir a esa Feria es recordar con dolor cómo era antes, cuando estaba bien hecha, cuando era una Feria importante. Pero también, como buen santiaguero y buen cibaeño, me duele que en un país pequeño la feria del libro no tome en cuenta a Santiago, al Cibao o a las demás provincias del país. Estamos a menos de dos horas de la ciudad capital. La Feria Internacional del Libro de Santo Domingo es eso, de Santo Domingo, como si no existiera el resto de la República Dominicana. Y esta queja se repite y se repite y se repite todos los años, como si se hablara para el aire. Pero es como escribió Gide, citado por Cortázar en una entrevista hace tantos años: es que como nadie escucha, hay que seguirlo diciendo y diciendo y diciendo hasta que se entienda.

Yo pienso que para hacer lo que se está haciendo, es mejor no hacer nada. Si de todos modos el escritor dominicano se encuentra solo y no leído, pienso que es mejor no hacer esa Feria, o por lo menos manejarse con humildad y aceptar las críticas y las recomendaciones para hacer algo mejor, no esa entelequia que nos avergüenza como visitantes. Pero de todas maneras, ¿quién soy yo?: apenas un escritor de una provincia del país que no es tomada en cuenta por el Ministerio de Cultura, de una provincia y de una región que ni siquiera se ha enterado de que se está “celebrando”, así, entre comillas, una Feria del Libro en Santo Domingo. Mejor es que no se haga nada, que se cierre el capítulo de esas ruinas, y que cada quien continúe viviendo su vida sin lecturas y sin libros.

Feria Internacional del Libro concluye hoy con un variado programa cultural y ofertas “de remate” de libros

Los organizadores de la FILSD 2018, en especial el ministro de Cultura Pedro Vergés, han expresado por diferentes vías su satisfacción por la masiva asistencia de personas a la misma, el cumplimento del programa de actividades en más de un 95 por ciento y por los reportes de venta por parte de las editoras y librerías.

Dedicada al escritor Lupo Hernández Rueda y Guatemala como país invitado de honor, la FILSD 2018 atrajo a miles de personas desde que fuera inaugurada el pasado 19 de abril con una ceremonia encabezada por el presidente Danilo Medina.

Los amantes a la lectura aún tienen la oportunidad de visitar el recinto ferial en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte y aprovechar las ofertas de las editoras y librerías en lo que han denominado con “Fin de Semana Negro”.

Por igual, los asistentes este lunes a la FILSD tienen la oportunidad de participar en el programa de conferencias, talleres literarios, coloquios y otras actividades en los pabellones y salas.

Entre las actividades fijadas para el cierre está la presentación de la obra teatral “Yago, yo soy el que soy”, a las 5 de la tarde, en la Sala Eduardo Brito del Teatro Nacional.

Para hoy se tienen previstas actividades en la Sala Latinoamericana en la BNPHU, donde se desarrolla el Programa Universitario, así como en los pabellones de Autores Dominicanos, Juan Antonio Alix, Bar Café de las Letras, Pabellón de Guatemala. Igual se anuncian actividades en el pabellón Libro Cocina, Espacio Joven, pabellón Lupo Hernández Rueda.

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Sergio Ramírez dedica su Premio Cervantes a “los nicaragüenses asesinados estos días por reclamar justicia”

El autor de ‘Castigo divino’ reivindica el mestizaje cultural en un discurso en el que homenajea a su paisano Rubén Darío, fundador del español literario moderno


 

Tomado de EL PAIS, España

 

 

 

Los Reyes imponen la medalla del Premio Cervantes al escritor nicaragüense Sergio Ramírez. POOL (EUROPA PRESS) / VÍDEO: QUALITY

“Escribo entre cuatro paredes, pero con las ventanas abiertas”, dijo ayer Sergio Ramírez en Alcalá de Henares en su discurso de recepción del Premio Cervantes. Por esas ventanas se ha colado estos días la sangrienta represión de los que protestan en Nicaragua contra la reforma de la Seguridad Social decretada —y luego derogada— por el Gobierno de Daniel Ortega. Los modos dictatoriales de sus excompañeros sandinistas —Ramírez fue vicepresidente de su país hasta 1990— llevaron al premiado a saltarse el protocolo literario en un acto presidido por los Reyes y al que también acudieron el presidente del Gobierno, Mariano Rajoy, y la presidenta de la Comunidad de Madrid, Cristina Cifuentes, que volvían a aparecer juntos en público en medio de la polémica en torno al máster imaginario de la mandataria madrileña.

Con un lazo negro en la solapa, Ramírez subió al púlpito del Paraninfo de la Universidad de Alcalá, abrió una carpeta celeste y dijo: “Permítanme dedicar este premio a la memoria de los nicaragüenses que en los últimos días han sido asesinados en las calles por reclamar justicia y democracia, y a los miles de jóvenes que siguen luchando sin más armas que sus ideales porque Nicaragua vuelva a ser república”. Enseguida lo explicaría en su discurso: “Como novelista no puedo ignorar la anormalidad constante de las ocurrencias de la realidad en que vivo”. “Cerrar los ojos es traicionar el oficio”, dijo para reivindicar el protagonismo que su literatura reserva a los ignorados por la historia, aquellos que caminan “hacia las fauces que los engullen”, víctimas de un poder que “no lleva en su naturaleza ni la compasión ni la justicia y se impone por tanto con desmesura, cinismo y crueldad”.

Sin perder de vista “la realidad”, el núcleo de las palabras del autor de Castigo divino fue, sin embargo, un canto al vínculo transatlántico de la literatura en español y al mestizaje sobre el que se construye su país, fundado no por un general sino por un poeta: Rubén Darío. El mismo papel fundacional que jugaron los ejemplares del Quijote llegados a Portobelo en 1605 lo jugaron los de Azul, el poemario de Darío, llegado a Madrid en 1888 para poner patas arriba la lengua castellana. Quedaba inaugurada la modernidad.

Como novelista no puedo ignorar la anormalidad constante de las ocurrencias de la realidad en que vivo, tan desconcertantes y tornadizas, y no pocas veces tan trágicas pero siempre seductoras

Lazo entre lenguas

Si Darío se autorretrató como un descendiente de encomenderos españoles, esclavos africanos y “soberbios” indios, su paisano recordó que él nació, en 1942, en el “pequeño pueblo cafetalero” de Masatepe —Mazartl-tepetl, tierra de venados, en lengua náhuatl— y que su escritura no es más que un lazo entre las lenguas indígenas, la oralidad campesina y la literatura áurea que le enseñó su madre, profesora de Literatura. Fue ella quien puso el primer Quijote en manos de su hijo. Rodeado por su esposa, Tulita, sus tres hijos con sus parejas y sus ocho nietos, el autor de Margarita, está linda la mar rindió homenaje a su familia, a sus maestros y a sus amigos. “Siento que soy la síntesis de mis dos abuelos, el músico y el ebanista”, subrayó antes de recordar a Sergio Pitol, Carlos Fuentes, García Márquez, Cortázar y Vargas Llosa.

Sergio Ramírez abrió su discurso invocando los nombres de paisanos suyos como Carlos Martínez Rivas, Ernesto Cardenal, Claribel Alegría y Gioconda Belli —poetas enormes de un país donde “todos somos poetas de nacimiento”— y lo cerró agradeciendo su trabajo de años a Pilar Reyes, su editora en Alfaguara, a Antonia Kerrigan, su agente, y a Juan Cruz, periodista de EL PAÍS, “que supo armarme de nuevo con las armas de la literatura cuando regresaba de otras lides con la lanza quebrada”. Un guiño al editor que en los años noventa lo rescató para la escritura cuando el fervor revolucionario se convirtió en desencanto político.

A través de los siglos la historia se ha escrito siempre en contra de alguien o a favor de alguien. La novela, en cambio, no toma partido, o si lo hace, arruina su cometido

“A través de los siglos, la historia se ha escrito siempre en contra de alguien o a favor de alguien. La novela, en cambio, no toma partido, o si lo hace, arruina su cometido”, había dicho el galardonado poco antes. “Una novela es una conspiración permanente contra las verdades absolutas”. Consagrado por siempre a la literatura, Sergio Ramírez se asomó ayer a la realidad para denunciar la represión en Nicaragua —el Rey y el ministro de Cultura hablaron de “horas difíciles”— pero no se olvidó del exilio de miles de centroamericanos empujados hacia Estados Unidos “por la marginación y la miseria”. Tampoco de las “fosas clandestinas que se siguen abriendo, los basureros convertidos en cementerios”. El cielo estuvo gris toda la mañana.

Baltazar en el Paraninfo

La vida pública de Sergio Ramírez es un viaje entre dos Paraninfos: el de la Universidad de León, en Nicaragua, y el de la Universidad de Alcalá de Henares. Si en este último recibió ayer el galardón más importante de las letras en español, en aquel se reunió el 18 de julio de 1979 la Junta de Gobierno de la victoriosa revolución sandinista, de la que él era parte fundamental. Horas más tarde marcharían sobre Managua para certificar la derrota final de la sangrienta dictadura de Somoza. Atrás quedaban los años de clandestinidad en los que el futuro premio Cervantes se hacía llamar con un nombre en clave sacado del Cuarteto de Alejandría de su querido Lawrence Durrell: Baltazar.

“El Paraninfo, con sus ventanales de cristal y su balcón de hierro forjado, estaba desde siempre en mi vida”, escribe Ramírez en Adiós muchachos, sus memorias políticas. De allí habían salido en manifestación los estudiantes —él tenía 17 años— que una tarde de 1959 fueron reprimidos a sangre y fuego por la Guardia Nacional somocista; allí se habían encerrado luego en protesta contra la dictadura; allí había recibido, acompañado por su madre, su título de abogado vistiendo una toga alquilada en 1964 y allí dictaba un curso sobre el boom de la novela latinoamericana cuando en octubre de 1967 “subió desde la calle la noticia de la muerte del Che en Bolivia”. Al evocar el remoto verano del triunfo sandinista Sergio Ramírez recuerda que en aquellos días “todo era fiesta entre el duelo”. A la euforia del triunfo se le sobreponía el recuerdo de los que no llegaron a vivirlo. Salvando todas las distancias, y sin mirar a Cristina Cifuentes, ayer el ambiente en Alcalá era un poco el mismo: preocupación por Nicaragua, alegría por el premio a un nicaragüense.

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Últimos días para inscribirse en el curso sobre Fortuny en el Prado

 

Con motivo de la exposición Fortuny (1838-1874) que tiene lugar en el Museo del Prado, el Área de Educación organiza los días 12 y 13 de marzo un curso en el que participarán destacados especialistas nacionales e internacionales desarrollando diversas cuestiones relacionadas con la muestra.

En las distintas ponencias que conforman el curso, se hará una revisión de la mejor aportación del pintor. Mariano Fortuny, el artista español que tuvo una mayor presencia internacional en el último tercio del siglo XIX, fue un verdadero renovador en todas las parcelas del arte que cultivó. En la pintura al óleo, su técnica precisa, colorista y brillante le permitió una nueva aproximación al natural, especialmente en la captación de la luz. En ello influyó su dominio de la acuarela, que le consagró como el gran impulsor de esta técnica en su tiempo.

La práctica asidua del dibujo, rápido y nervioso, es el fundamento de su capacidad para reflejar los distintos aspectos de la realidad. El cultivo del aguafuerte con una calidad extraordinaria emancipó en España al grabado de su función de servir a la reproducción de cuadros.

Todas estas facetas pictóricas, así como la de coleccionista y la difusión de su obra en Norteamérica, serán objeto de análisis a lo largo del curso.

Fechas
12 y 13 de marzo

Ubicación
Auditorio del Museo Nacional del Prado (entrada por Puerta de los Jerónimos)

Matrícula
INSCRIPCIÓN
Del 26 de febrero al 7 de marzo, o hasta completar el aforo.

Se entregará un certificado de asistencia.

Tarifas
Estudiantes 60 €
Profesionales e investigadores 78 €
Amigos del Museo del Prado 96 €
Público general 120 €

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Un viaje museístico con el portugués Pessoa, en Madrid

 

 

 

 

 

 

El Reina Sofía descubre la obra de Pessoa y las vanguardias portuguesas

 

Pessoa. Todo arte es una forma de literatura es una exposición organizada por el Museo Reina Sofía que pretende descubrir al público la vigorosa, pero escasamente conocida, escena vanguardista portuguesa que se desarrolló la primera mitad del siglo XX y en la que el poeta Fernando Pessoa (1888-1935) –hilo argumental de la muestra- intervino activamente a través de sus escritos y de sus versátiles propuestas artísticas.

Para ello se han reunido más de 160 obras de arte (pintura, dibujos y fotografía) de unos 20 artistas como José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso, Júlio o Sonia y Robert Delaunay, por citar algunos, así como abundante documentación original (manifiestos, libros y revistas, correspondencia, etc.), todo ello procedente de diversas colecciones privadas e instituciones como la Fundación Calouste Gulbenkian- que presta 56 obras-, la Biblioteca Nacional de Portugal o el Centre Georges Pompidou, entre otras.

La muestra narra con este amplio conjunto, cómo Pessoa y los artistas visuales coterráneos de aquella época, al contrario de lo que ocurrió en otros contextos periféricos, nunca fueron miméticos seguidores de las innovaciones surgidas en los centros neurálgicos como París, capital de los nuevos lenguajes artísticos desde el siglo XIX.

Movimientos por entonces de referencia en Europa como el futurismo, el cubismo o el orfismo fueron analizados con interés tanto por Pessoa como por los más destacados artistas del momento en Portugal, si bien todos ellos buscaron una senda propia sin adherirse de manera definitiva a ninguna de las corrientes predominantes.

Así, numerosas obras que pueden contemplarse en las salas reflejan un gusto por lo popular y por la idiosincrasia portuguesa que está presente tanto en el trabajo de aquellos artistas lusos que viajaron a París, introduciendo a su vuelta las nuevas corrientes, como en los artistas extranjeros que decidieron pasar una temporada en el país (como el matrimonio Delaunay).

En el caso concreto de Pessoa, esta especificidad lusa le llevó incluso a crear y contraponer de forma sucesiva sus propias corrientes dentro de la teoría poética, a las que denominó paulismo, interseccionismo y sensacionismo. Estos tres ismos, que vertebran el recorrido visual de la exposición, no solo aglutinaron su producción textual y la de otros poetas de vanguardia, sino también obras plásticas y escénicas que a menudo incorporó en sus iniciativas.

Por este motivo, la muestra presta también especial atención a las revistas en las que escribió Pessoa, como A Águia, Orpheu, K4 O Quadrado Azul, Portugal Futurista o presença, y que actuaron como caja de resonancia de estas ideas de vanguardia, ejerciendo una gran influencia en la intelectualidad portuguesa de la primera mitad del siglo XX.

Con la colaboración de: Con estos puntos de partida, Pessoa. Todo arte es una forma de literatura se centra en esta particular escena para analizar la riqueza y peculiaridad de una de los etapas más relevantes de la historia del arte reciente de Portugal y sus interacciones con el panorama internacional.

Pessoa y los heterónimos

Presidida por un gran retrato de Pessoa realizado por José de Almada Negreiros en 1964 la exposición arranca con un espacio dedicado al pensamiento y figura del poeta en su calidad de motor intelectual de la época.

Esta sección hace especial hincapié en la prolífica producción teórica que publicó y que atribuyó a sus más de cien heterónimos (autores ficticios creados por él como
Alberto Caeiro, Ricardo Reis, Álvaro de Campos, Bernardo Soares, etc.), a los que dotó de vida propia, incluyendo hasta cartas astrológicas que pueden verse en la sala. Precisamente, la exposición toma su título de una cita de uno de los heterónimos más vanguardistas y famosos de Pessoa: Álvaro de Campos.

Los heterónimos encarnaron lo que Pessoa identificó como la enfermad extrema de su época: una búsqueda de identidad en la alteridad. A través de ellos actuó como intérprete de excepción de la crisis del sujeto moderno, trasladando a su obra una otredad múltiple que achacó a su desorientación existencial. Una multiplicidad y diversidad que está presente a lo largo de toda la muestra.

Para seguir contextualizando el ambiente cultural de la época, las dos próximas salas dan cuenta de la participación de Portugal en la I Guerra Mundial, con obras sobre el conflicto bélico de, por ejemplo, Cristiano Cruz y también de las caricaturas de aquel entonces, con trabajos de Américo Amarelhe, Amadeo de Souza-Cardoso, Manuel Laranjeira o Almada Negreiros.

Paulismo

La siguiente zona aborda ya el paulismo. El principal espacio de difusión de los postulados estéticos del Pessoa vanguardista -y, por extensión, de la modernidad lusa- fue la revista Orpheu, publicación que lanzó en 1915 con el poeta Mário de Sá-Carneiro. Solo se editaron dos números, pero a pesar de ello, esta revista fue capaz de, en palabras de Fernando Cabral Con el patrocinio de: Con la colaboración de: Martins, “asestar un duro golpe a la buena conciencia del arte portugués”.

En el primer número de Orpheu resultaba aún muy visible la herencia simbolista, destacando como máximo representante de las artes plásticas portuguesas el pintor António Carneiro, autor del tríptico A Vida. Esperança, Amor, Saudade (La vida. Esperanza, amor, nostalgia (1899-1901) una de las piezas más tempranas que pueden verse en esta exposición.

Dicha herencia estaba también presente en A Renascença (El Renacimiento), una pequeña revista editada en 1914 en cuyo único número apareció el poema Pauis (Humedales), de Pessoa, que dio nombre al primero de sus ismos, el paulismo. En cierta medida, lo que proponía el paulismo era una reformulación del saudosismo, una especie de vertiente regeneracionista del simbolismo impulsada en Portugal por el escritor Teixeira de Pascoaes – de quien se exhiben aquí varias acuarelas-, y difundida principalmente por la revista A Águia (El águila).

El estilo paúlico hereda el tedio y el pesimismo del decadentismo y se define por la confusión entre lo subjetivo y lo objetivo, así como por la asociación inconexa de ideas, como las obras de Amadeo de Souza Cardoso, sobre papel o lienzo, o de Guilherme de Santa Rita que se muestran en la sala. De este último se puede contemplar por primera vez fuera de Portugal Orfeo en los infiernos, una de las únicas dos pinturas que se conservan de él tras morir de tuberculosis a los 28 años y ordenar que todos sus trabajos fueran destruidos.

Interseccionismo

Bajo el término Interseccionismo se reúne una serie de obras más ligadas a los lenguajes de vanguardia que tienen en común la superposición de planos, guardando afinidad con el futurismo.

Esta corriente representa para Pessoa la simultaneidad mental de la imagen objetiva y subjetiva, surgiendo de la confluencia de sensaciones y percepciones. Pessoa distingue entre un interseccionismo cercano a lo paúlico, que aspira a la síntesis y exageración de la actitud Con el patrocinio de: Con la colaboración de: estática, y otro de sensibilidad moderna más cercano al futurismo.

El segundo número de Orpheu contenía una serie de láminas de obras cercanas al futurismo del ya mencionado Santa Rita, integrante del efímero Comité Futurista de Lisboa, que en la revista se consideraron bajo el prisma del interseccionismo propuesto por Pessoa. A parte de él, la sección recoge obras también de Eduardo Viana y, nuevamente, de Amadeo de Souza Cardoso, artistas que reflejan en ellas la multiplicidad y diversidad de su obra.

Teatro

Para completar el contexto cultural del momento, la muestra comprende también una tercera sección específica que se ocupa de las artes escénicas, incorporando información relevante sobre las producciones más interesantes de la época en teatro y danza.

Estimulado por las actuaciones de los Ballets Rusos en Lisboa de 1917 y 1918, y por el deseo de hacer confluir las artes escénicas y plásticas, Almada Negreiros, durante su estancia en Madrid, diseñó la decoración del Cine San Carlos, del que vuelven a la capital española dos bajo relieves de yeso mientras dure la exposición.

Sobresalen también las ilustraciones que elaboró para La tragedia de Doña Ajada, espectáculo con linterna mágica estrenado en Madrid en 1929 en el que participaron, además, el compositor Salvador Bacarisse y el poeta Manuel Abril. Unos años antes, en 1927, Almada se había trasladado a Madrid, donde entró en contacto con el escritor Ramón Gómez de la Serna, con quien preparó la escenografía de Los medios seres, y otros creadores ligados a la efervescente escena vanguardista madrileña.

Sensacionismo

El núcleo de la muestra aborda en dos salas contiguas el Sensacionismo, el proyecto más sobresaliente del cuerpo teórico estético-filosófico de Pessoa, quién escribió “la base de todo arte es la sensación”.

No obstante, y a pesar del papel central que tuvo dentro de la vanguardia portuguesa, el proyecto sensacionista pessoano apenas contó con difusión pública. Sus postulados fueron solo parcialmente conocidos por el pequeño círculo de escritores y pintores que se había formado en torno a Orpheu.

Pese a lo reducido de esta escena local, sus protagonistas mantuvieron una activa interlocució con artistas de otros contextos, despertando el interés por los planteamientos y líneas de trabajo lusas y empapándose de otros lenguajes.

Ejemplo de ello fue la intensa relación artística y afectiva que se estableció entre los creadores portugueses Eduardo Viana, Almada Negreiros y Amadeo de Souza-Cardoso -que ocupan la primera sala de esta área- con los pintores Sonia y Robert Delaunay que, huyendo del clima bélico centroeuropeo, se establecieron en el norte de Portugal, entre 1915 y 1916, donde introdujeron sus ideas sobre el orfismo/simultaneísmo, una variante abstracta y colorista del cubismo de la que fueron sus principales abanderados.

Más de una decena de trabajos del matrimonio procedentes del Centre Georges Pompidou, Musée D´Art Moderne de Paris, Musée Fabre, Skissernas Museum, la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza y de varias colecciones particulares portuguesas se muestran en la segunda sala de esta área.

Fruto de los contactos que mantuvieron todos estos artistas surgió la iniciativa “La Corporation Nouvelle”, concebida como una plataforma artística transnacional para organizar exposiciones colectivas que finalmente no llegó a formalizarse, pero de la que se muestran en esta zona algunas iniciativas, como una serie de formularios de suscripción para recaudar dinero diseñados por ellos.

Modernidad

Finalmente, la última parte de la exposición introduce el período de la segunda modernidad portuguesa. Su ideario fue difundido en Revista Portuguesa (1923),
así como en las publicaciones Athena (1924-1925) y, sobre todo, Presença (1927-1940).

La muerte prematura de las tres figuras más emblemáticas de la modernidad portuguesa -Mário de Sá-Carneiro, Amadeo de Souza- Cardoso y Santa Rita-,
entre 1916 y 1918, propició que la escena vanguardista del país quedara bastante diluida.

A ello se sumó la llegada al poder de António de Oliveira Salazar y la progresiva consolidación de un régimen militar dictatorial que dificultó que nuevas corrientes pudiesen prosperar.

Pese a ello, a mediados de la década de 1920, Portugal vivió un segundo momento de modernidad, si bien mucho menos radical que el primero y caracterizado por otros lenguajes visuales más figurativos.

En paralelo al proceso de repliegue generalizado que experimentaba el arte europeo en el periodo de entreguerras, en esta nueva escena lusa repitieron protagonismo artistas como Almada Negreiros y destacaron autores como Mário Eloy, Júlio Dos Reis Pereira, Jorge Barradas y Abel Manta, muy influidos por el expresionismo en auge entonces, o la pintora Sarah Affonso, rara avis dentro de una generación de artistas casi exclusivamente masculina, en cuya obra se incluían múltiples referencias al arte y la cultura popular del norte de Portugal.

Catálogo

Con motivo de la exposición, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha editado un catálogo bajo el mismo nombre de la exposición. La publicación incluye ensayos de Marta Soares, Fernando Cabral Martins y Antonio Saéz Delgado, así como textos y correspondencia de Fernando Pessoa e ilustraciones de obras y documentación presentes en la muestra.

Pessoa. Todo arte es una forma de literatura
FECHAS: 6 de febrero de 2018 – 7 de mayo de 2018
LUGAR: Edificio Sabatini, 1ª Planta.
ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
COMISARIADO: Ana Ara y João Fernandes
ACTIVIDADES
RELACIONADAS:
 Pessoa y el cine. Ciclo audiovisual.
18-28 de abril – 19:00 h. Edificio Sabatini, Auditorio
 Pessoa: historia breve del arte moderno. Ciclo de encuentros:
– Ismos distintos. Pessoa y las vanguardias
7 de febrero – 19:00 h. Edificio Sabatini, Auditorio
– Plural como el universo. Pessoa y los heterónimos. 7 de marzo – 19:00 h. Edificio Sabatini, Auditorio
– El libro como mundo. Conferencia de Tom McCarthy.
Miércoles, 4 de abril – 19:00 h

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